Nonostante il proliferare di un mercato discografico sempre più ampio, questa edizione di Fidelio diretta da un ottimo Erich Kleiber e cantata da una emozionante Birgit Nilsson continua a costituire una pietra miliare dell’interpretazione anche a ciqnuant’anni di distanza dalla sua prima apparizione. L’altissimo livello artistico di tutti i protagonisti viene esaltato al massimo da una rimasterizzazione accuratissima che consente di cogliere anche le più piccole sfumature sonore.

Ludwig van Beethoven, Fidelio

Birgit Nilsson, Hans Hopf, Gottlob Frick, Paul Schoeffler, Ingeborg Wenglor, Gerhard Unger

Coro e Orchestra Sinfonica della Radio di Colonia, Erich Kleiber direttore

URANIA URN 289 (2 cd)

Ripresa dal vivo dalla BBC, questa esecuzione dell’Arabella di Richard Strauss vide i complessi dell’Opera bavarese fare ritorno a Londra per la prima volta dopo la fine della seconda guerra mondiale. Arabella è considerata dai critici un’opera di squadra, un fatto che si nota chiaramente in questa edizione, soprattutto grazie alla rilevanza di cui godono i personaggi di minore importanza. Questo allestimento del 1953 vede Lisa della Casa, cantante che ha saputo dare voce e corpo meglio di chiunque altro al personaggio di Arabella, al debutto assoluto nel ruolo, sfoggiando una voce di straordinaria limpidezza e un timbro argentino che sapevano andare all’ascoltatore cui, last but not least, si aggiungeva una avvenenza che non passò inosservata al pubblico londinese. Alla testa di una orchestra bavarese particolarmente ispirata, Rudolf Kempe ci offre un’interpretazione semplicemente indimenticabile, che si colloca nel ristrettissimo novero delle esecuzioni vermanete immortali. Un cofanetto davvero imperdibile.

Richard Strauss, Arabella

Lisa della Casa, Elfride Troetschel, Ira Malaniuk, Hermann Uhde, Max Proebstl, Lorenz Feheberger, Franz Klarwein, Karl Hoppe, Albrecht Peter, Kathe Nentwig, Ruth Michaelis, Walter Metthes, Walter Ehrengut, Heino Hallhuber, Emil Graf

Chor und Orchester der Bayerischen Staatsoper, Rudolf Kempe direttore

TESTAMENT TES 1367 (2 cd)

È FRANCESCO GIAMBRONE, 48 anni, palermitano, il nuovo Sovrintendente del Maggio Musicale Fiorentino. Lo ha annunciato il Ministro per i Beni e le Attività Culturali ROCCO BUTTIGLIONE insieme al Sindaco di Firenze LEONARDO DOMENICI, in occasione della conferenza stampa convocata a Firenze insieme al Sindaco Leonardo Domenici e al Commissario Straordinario del Maggio e Direttore Generale per lo Spettacolo Salvatore Nastasi.

Giambrone, musicologo, già Sovrintendente del Teatro Massimo di Palermo, docente al Conservatorio e all’Università, critico musicale e di danza, Assessore alla cultura nella giunta Orlando e medico, succederà dunque dopo sei mesi a Giorgio van Straten, dimessosi dall’incarico alla fine dello scorso mese di maggio, ed entrerà immediatamente in carica affiancando così il Commissario Nastasi, nominato dallo stesso Buttiglione, che porterà a termine l’incarico entro la scadenza del 9 marzo adoperandosi per la ricostituzione del Consiglio di Amministrazione della Fondazione.
Nuovo Direttore Artistico, a partire da quella data, sarà PAOLO ARCÀ, attualmente con lo stesso incarico al Teatro Carlo Felice di Genova, ed in precedenza Direttore Artistico del Teatro alla Scala di Milano al fianco del Maestro Riccardo Muti.
Nell’occasione è stata anche annuciata la costituzione, primo caso in Italia, del nuovo Comitato per il fund-raising a favore del Teatro del Maggio, che coordinerà ed incrementerà le attività di ricerca di finanziamenti privati.
A tale proposito, il Ministro ha anche comunicato la presentazione nei giorni scorsi di un emendamento per estendere al mondo dello spettacolo la possibilità di detrarre dal reddito i contributi di privati cittadini, come già avviene per le donazioni a favore di onlus e associazioni, deducibilità integrale finora possibile solo per le imprese.

Il Teatro del Maggio Musicale Fiorentino, caso unico in Italia, produce sia le annuali Stagioni di opere, concerti e balletti che l’omonimo Festival internazionale, il più antico del nostro Paese e noto in tutto il mondo.
Sul suo palcoscenico si avvicendano i nomi più prestigiosi della scena internazionale, come il Direttore Principale Zubin Mehta, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Seiji Ozawa, e registi di punta come Ronconi, Nekrosius, Zhang Yimou, Robert Carsen; numerose sono le sue tournées all’estero – in settembre è stato invitato per la terza volta in Giappone, imminenti tre concerti in Spagna - e le coproduzioni con le maggiori istituzioni europee fra cui il nuovo Palau de les Arts di Valencia: uno stato dunque di solida salute e qualità artistica, ma al contempo di crisi sul versante finanziario come la maggior parte delle altre fondazioni liriche italiane. Ora si apre una nuova fase gestionale e anche di risanamento economico, con le assicurazioni di maggiori contributi da parte degli enti locali, fra cui la Provincia che potrebbe entrare così nel Consiglio di Amministrazione, l’impegno dell’Ente Cassa di Risparmio di Firenze, l’auspicato sostanzioso incremento dei privati.

LA TEMPESTA

Katia Ricciarelli

discografia

(opere in studio e live)

1971

Verdi, IL CORSARO (Medora) – Lamberti, Bruson, Gulin, Cobos, Orchestra del Teatro La Fenice (GDS, live)

Verdi, IL TROVATORE (Leonora) – Tucker, Bruson, Zanibelli, Erede, Orchestra del Teatro Regio di Parma (Bongiovanni, live)

1972

Verdi, I DUE FOSCARI  (Lucrezia Contarini) – Franco Tagliavini, Cappuccili, Bartoletti, Opera Chicago (GDS, live)

Verdi, GIOVANNA D’ARCO (Giovanna) – Labò, Zanasi, Franci, Orchestra del Teatro La Fenice (Mondo Musica, live)

Puccini, SUOR ANGELICA (Suor Angelica) – Cossotto, Bartoletti, Orchestra di Santa Cecilia (RCA, studio)

1973

Verdi, I DUE FOSCARI (Lucrezia Contarini) – Scano, Cappuccilli, Zedda, Orchestra Sinfonica di Bari (Myto, live)

Verdi, SIMON BOCCANEGRA (Amelia-Maria) – Domingo, Cappuccilli, Raimondi, Gavazzeni, Orchestra RCA (RCA, studio)

Verdi, DON CARLO (Elisabetta di Valois) – Luchetti, Cappuccilli, Ghiaurov, Cossotto, Pretre, Orchestra del Teatro La Fenice (Mondo Musica, live)

Bellini, I CAPULETI E I MONTECCHI (Giulietta) – Luchetti, Merighi, Bellugi, Orchestra del Teatro La Fenice (Mondo Musica, live)

1974

Verdi, LUISA MILLER (Luisa) – Pavarotti, Tozzi, Quilico, Tourangeau, Lopez Cobos, San Francisco Opera (Bellavoce, live)

1975

Verdi, UN BALLO IN MASCHERA (Amelia) – Domingo, Cappuccilli, Grist, Bainbridge, Abbado, ROHO (DVD, live)

Verdi, JERUSALEM (Hélène) – Carreras, Nimsgern, Cassis, Gavazzeni, Rai Torino (Bellavoce, live)

Bizet, CARMEN (Micaela) – Crespin, R.Lewis, van Dam, H.Lewis, Met New York (Gala, live)

1976

Verdi, LUISA MILLER (Luisa) – Carreras, Bruson, Rinaudo, Previtali, RAI Torino (Opera d’Oro, live)

Verdi, I DUE FOSCARI (Lucrezia Contarini) – Carreras, Cappuccilli, Ramey, Gardelli, ORF (Philips, studio)

Verdi, LUISA MILLER (Luisa) – Domingo, Bruson, Obratzova, Maazel, ROHO (DG, studio)

Verdi, LA TRAVIATA (Violetta Valery) – Carreras, Zancanaro, Bartoletti, Orchestra Teatro Verdi Trieste (Legato, live)

1977

Verdi, IL TROVATORE (Leonora) – Bergonzi, Bruson, Berini, Arena, Macerata Festival Orchestra (On Stage, live)

Verdi, LA BATTAGLIA DI LEGNANO (Lida) – Carreras, Manuguerra, Ghiuselev, Gardelli, ORF (Philips, studio)

1979

Verdi, UN BALLO IN MASCHERA (Amelia) – Domingo, Bruson, Obratzova, Raimondi, Gruberova, Abbado, Orchestra del Teatro alla Scala (DG, studio)

Rossini, GUILLAUME TELL (Matilde) – Bonisolli, Nimsgern, Casarini, Finnila, Guadagno, Orchestra della Suisse Romande (Opera Magic, live)

Verdi, AIDA (una sacredotessa) – Freni, Carreras, Baltsa, Cappuccilli, Raimondi, Karajan, Wiener Philharmoniker (Emi, studio)

Puccini, LA BOHEME (Mimì) – Carreras, Wixell, Putnam, Lloyd, Hagegard, Davis, ROHO (Philips, studio)

1980

Verdi, IL TROVATORE (Leonora) – Carreras, Mazurok, Toczyska, Philips, ROHO (Philips, studio)

Verdi, UN BALLO IN MASCHERA (Amelia) – Pavarotti, Quilico, Berini, Blegen, Patanè, Met (DVD, live)

Bizet, CARMEN (Micaela) – Berganza, Domingo, Raimondi, Dervaux, Opéra de Paris (DVD, live)

Puccini, TOSCA (Floria Tosca) – Carreras, Raimondi, Corena, von Karajan, Berliner Philharmonicker (DG, studio)

1981

Verdi, AIDA (Aida) – Domingo, Obratzova, Nucci, Raimondi, Ghiaurov, Valentini Terrani, Abbado, Orchestra del Teatro alla Scala (DG, studio)

Donizetti, MARIA DE RUDENZ (Maria de Rudenz) – Cupido, Nucci, Baleani, Surjan, Inbal, Orchestra del Teatro La Fenice (Fonit Cetra, live)

1982

Puccini, TURANDOT (Turandot) – Domingo, Raimondi, Hendricks, Araiza, Zednik, de Palma, Nimsgern, von Karajan, Wiener Philharmoniker (DG, studio)

Verdi, FALSTAFF (Mrs. Alice Ford) – Bruson, Nucci, Gonzalez, Hendricks, Valentini Terrani, Giulini, Orchestra Filarmonica di Los Angeles (DG, live)

Bizet, CARMEN (Micaela) – Baltsa, Carreras, van Dam, von Karajan, Berliner Philharmoniker (DG, studio)

1983

Puccini, TURANDOT (Liùt) – Marton, Carreras, Bogart, Maazel, Wiener Philharmoniker (Sony, live)

Verdi, DON CARLOS (Elisabeth de Valois) – Domingo, Nucci, Ghiaurov, Raimondi, Valentini Terrani, Abbado, Orchestra del Teatro alla Scala (DG, studio)

Rossini, LA DONNA DEL LAGO (Elena) – Valentini Terrani, Gonzalez, Ramey, Raffanti, Pollini, Orchestra da Camera d’Europa (Fonit Cetra, live)

1984

Rossini, IL VIAGGIO A REIMS (Madama Cortese) – Gasdia, Cuberli, Valentini Terrani, Gimenez, Araiza, Ramey, Raimondi, Dara, Nucci, Surjan, Abbado, Manca di Nissa, Matteuzzi, Abbado, Orchestra da Camera d’Europa (DG, live)

Donizetti, L’ELISIR D’AMORE (Adina) – Carreras, Nucci, Trimarchi, Rigacci, Scimone, Orchestra RAI di Torino (Philips, studio)

Verdi, SIMON BOCCANEGRA (Amelia) – Luchetti, Bruson, Raimondi, Abbaso, Wiener Staatsoper (Rca, live)

1986

Donizetti, POLIUTO (Paolina) – Carreras, Pons, Caetani, Wiener Symphonier (Sony, live)

Donizetti, I PURITANI (Elvira) – Merritt, Scandiuzzi, Ferro, Orchestra Sinfonica Siciliana (Fonit Cetra, live)

Verdi, OTELLO (Desdemona) – Domingo, Diaz, Maazel, Orchestra del Teatro alla Scala (Emi, studio)

Rossini, BIANCA E FALLIERO (Bianca) – Horne, Merritt, Surian, Renzetti, London Sinfonietta (Opera D’Oro, live)

1989

Rossini, LA GAZZA LADRA (Ninetta) – Matteuzzi, Ramey, Manca di Nissa, Furlanetto, Gelmetti, Orchestra RAI di Torino (Sony, live)

1990

Bellini, ZAIRA (Zaira) – Vargas, Alaimo, Roni, de Candia, Olmi, Orchestra del Teatro Massimo Bellini di Catania (Brilliant, live)

1991

Bellini, I CAPULETI E I MONTECCHI (Giulietta) – Montague, Raffanti, Lippi, Campanella, Orchestra del Teatro La Fenice di Venezia (Brilliant, live)

Donizetti, ANNA BOLENA (Anna Bolena) – Soffel, Ballo, Ghiuselev, Mingardo, Pidò, Orchestra del Teatro Massimo di Palermo (Serenissima, live)

1995

Puccini, LA BOHEME (Mimì) – Araiza, Antonucci, Burchaladze, Guadagno, Orchestra Arena di Verona (Koch-Schwann, live)

1996

Mascagni, AMICA (Amica) – Armiliato, Padovan, Minarelli, Rinaldi, Pace, Orchestra della RadioTelevisione Ungherese (Kicco, studio)

1998

Giordano, FEDORA (Fedora Romanov) – Cura, Porcelli, Carminati, Istituzione Concertistica della Provincia di Lecce (Eca, live)

Teatro G. Magnani

P.za G. Verdi – 43036 Fidenza (PR)

Lunedì 13 Febbraio 2006 ore 20.30

Mercoledì 15 Febbraio 2006 ore 20.30

LA CLEMENZA DI TITO

Musica di W.A. Mozart

Personaggi ed interpreti

Tito – Domenico Ghegghi, Sesto – Anna Rita Gemmabella,

Vitellia – Renata Lamanda, Annio – Francesca Russo

Servilia – Stefania Murino, Publio – Roberto Tagliavini

M° Direttore – Giovanni Di Stefano

Regia – Paolo Panizza

Scene – Marcella Caglieri, Cristina Specchio

Costumi – Artemio Cabassi

Orchestra Filarmonica del Teatro Magnani

Prezzi

Platea e palchi centrali 45,00 €

Palchi laterali 30,00 €

Palchi laterali ridotto studenti fino a 25 anni 15,00 €

Galleria 15,00 €

Vendita Biglietti :

Dal 31.01.2006 al 15.02.2006 presso la biglietteria del Teatro Magnani dalle 9.00 alle 12.00 tel. 0254.522044 e nei giorni di spettacolo anche dalle 16.00 alle 20.00

Prenotazione Biglietti:

Dal 01.02.2006 Fax 0524.528818 - E.Mail - tulliomarchetti@virgilio.it

Presso "Azzali" in via D’Azeglio a Parma tel. 0521.232929

Nel primo giorno di vendita sarà possibile acquistare, a persona, presso la biglietteria del teatro un massimo di 2 biglietti di platea o galleria, oppure 5 biglietti in palco centrale, oppure 4 biglietti in palco laterale, per ogni serata.

Nei giorni successivi la biglietteria si riserva di vendere i posti ancora disponibili senza limitazione numerica

A Busseto va in scena Falstaff

Nel ruolo del protagonista il baritono Alberto Mastromarino

in un allestimento che incrocia, attraverso precisi riferimenti artistici

ed architettonici, gli anni di Verdi ed il nostro tempo.

Busseto, Teatro Giuseppe Verdi

27, 31 gennaio e 2 febbraio 2006 alle ore 20.30

29 gennaio 2006 alle ore 15.30

E’ dal 2001 che la Fondazione Arturo Toscanini, per celebrare l’anniversario della morte del Maestro, allestisce una sua opera al Teatro Verdi di Busseto: dopo Aida, Traviata, Rigoletto, I vespri siciliani ed Il trovatore, quest’anno andrà in scena Falstaff, l’ultimo capolavoro il cui libretto di Arrigo Boito è ispirato alla commedia di Shakespeare ‘Le allegre comari di Windsor’. Nella profonda consapevolezza legata al significato di portare Falstaff a Busseto, per i precedenti illustri –Toscanini ne diresse due storiche edizioni nel 1913 e nel 1926- la Fondazione, con questo nuova produzione la cui regia è stata affidata alla giovane Maria Elena Mexia, intende onorare Verdi quale geniale musicista ma anche uno degli uomini di teatro più significativi della storia: il suo ‘teatro’ infatti è arte pura, assoluta. Sono quarant’anni che desidero scrivere un’opera comica e sono cinquant’anni che conosco Le allegre comari di Windsor, pure…. I soliti ma, che sono dappertutto, si opponevano sempre far pago questo mio desiderio. Ora Boito ha sciolto tutti i ma e mi ha fatto una commedia lirica che non somigli a nessun altra. Io mi diverto a farne la musica; senza progetti di sorta, e non so nemmeno se finirò…. Ripeto: mi diverto…. Falstaff è un tristo che commette ogni sorta di cattive azioni… ma sotto una forma divertente. E’ un tipo! Son sì i vari tipi! L’opera è completamente comica! Amen….. Scrisse così Verdi a proposito del nuovo soggetto buffo che sembra adattarsi perfettamente allo spirito con cui affrontava l’età avanzata. Alla prima di Falstaff il 9 febbraio 1893 alla Scala, tra gli spettatori vi erano, oltre a Giosuè Carducci, Giuseppe Giacosa, il pittore Giovanni Boldini, i due giovani colleghi di Verdi, Giacomo Puccini e Pietro Mascagni, letteralmente increduli dinanzi a un tale prodigio musicale. Questa commedia lirica entusiasmò anche musicisti di formazione tedesca come Richard Strauss e Ferruccio Busoni, il quale scrisse così Verdi: «Il Falstaff ha suscitato in me una tale rivoluzione dello spirito e del sentimento, che con pieno diritto posso datare da questo momento un'epoca nuova della mia vita artistica.».

Per quanto concerne l’allestimento bussetano prodotto dalla Fondazione Arturo Toscanini, la regista, scenografa e costumista, Maria Elena Mexia –già assistente di Giorgio Strehler e Luciano Damiani- ha attuato un incrocio tra il nostro tempo e quello in cui è ambientato Falstaff nella convinzione che le storie umane restano uguali e soltanto l’involucro cambia. <Come Verdi in questa storia così moderna ha incrociato i rapporti umani, allo stesso modo –spiega Maria Elena Mexia- l’ho fatto con i rapporti tra il tempo e lo spazio, il passato e presente. Sul palcoscenico è presente una inquadratura metallica (che ricorda le architetture di Franck Gehry autore del Museo Guggenheim di Bilbao), dove all’interno sono sistemate le tele dipinte e di tulle, sullo stile dei quadri di Giovanni Boldini (pittore dei tempi di Verdi), come i costumi sono ispirati ai suoi quadri con foto antiche di Parma, del Po, di Busseto. Viene utilizzata l’arte per dare i segni distintivi di un’epoca, mentre la storia in palcoscenico le abbraccia tutte>.

Falstaff a Busseto che debutterà il 27 gennaio troverà nel baritono Alberto Mastromarino il protagonista; il cast comprende inoltre: Javier Franco e Rodrigo Esteves (Ford), Leonardo Caimi e Filippo Adami (Fenton), Simonetta Pucci e Eugenia Garza (Alice), Ivanna Speranza e Stefanna Kybalova (Nannetta); l’Orchestra e il Coro della Fondazione Arturo Toscanini saranno diretti da Alessandro D’Agostini. Dopo la prima che avrà inizio alle ore 20,30 l’opera verrà replicata il 29 gennaio alle ore 15.30 ed ancora il 31 gennaio ed il 2 febbraio alle ore 20.30.

Sabato 21 gennaio alle ore 11,30 presso il Salone Barezzi di Busseto, il Falstaff di Busseto sarà presentato in un incontro condotto dal musicologo Franco Lorenzo Arruga e vedrà la partecipazione della compagnia di canto, del direttore d’orchestra Alessandro D’Agostini, della regista e costumista Maria Elena Mexia, dello scenografo pittore e collaboratore Lidia Trecento e Keiko Shiraishi. Interverranno inoltre Gabriella Meo, assessore al turismo della Provincia di Parma, Gianni Baratta, sovrintendente della Fondazione Arturo Toscanini, Maurizio Marchetti, presidente dell’associazione "Amici di Verdi" di Busseto, Mercedes Carrara Verdi, presidente dell’Istituto Nazionale Studi Verdiani e Cristina Ferrari, direttore delle attività liriche della Fondazione Arturo Toscanini. I biglietti dello spettacolo i cui prezzi vanno da 50 euro a 25 euro, si possono acquistare alla biglietteria della Fondazione Arturo Toscanini (info tel. 0521 391320) e al teatro Verdi di Busseto il 25 gennaio (pomeriggio) e nei giorni di spettacolo a partire da un’ora prima dell’inizio (info tel. 0524 931016)

Piccolo Regio Laboratorio 2005∙2006

Marcido: Canzonette.
Canzonette Marcido!

GIUSEPPE VERDI

RIGOLETTO

opera in tre atti

su libretto di Francesco Maria Piave

tratto dal dramma di Victor Hugo Le roi s’amuse

(Edizione critica The University of Chicago Press a cura di Martin Chusid; Casa Ricordi, Milano)

MOZART ALLA SCALA

Le opere italiane

Museo Teatrale alla Scala

28 gennaio - 30 settembre 2006

Per celebrare i duecentocinquanta anni dalla nascita di Mozart (Salisburgo, 1756 - Vienna, 1791), il Museo Teatrale alla Scala allestisce una mostra relativa alle opere italiane del compositore, rappresentate dal Settecento sino ai nostri giorni al Teatro Ducale di Milano e alla Scala.

La cornice scenografica che raccoglie teatrini, bozzetti, figurini, foto di scena, video,  costumi e  musiche, coinvolge lo spettatore nelle ambientazioni mozartiane. Di stanza in stanza mutano i colori e l’impatto visivo. Dall’austerità monocromatica dei teatrini d’ombra pensati da Lotte Reiniger (1899-1981), si accede alla cromia accesa del Così fan tutte di Eugene Berman, dove il visitatore si inoltra fra i fondalini e le sagome dipinte del celeberrimo spettacolo che rese gloriosa la stagione d’apertura della Piccola Scala (1956, bicentenario della nascita di Mozart). Nello spazio dedicato a Lucio Silla si pongono a confronto l’edizione settecentesca dei fratelli Galliari, pensata per la prima assoluta al Teatro Ducale (1772), e la recente rivisitazione di Richard Peduzzi e Patrice Chéreau (1984).

La sequenza degli ambienti di camere e saloni in miniatura, introduce lo spazio borghese delle Nozze di Figaro. Don Giovanni, rivissuto nell’epilogo dell’apparizione del Commendatore, riporta alla ribalta, in un’esposizione che si fa spettacolo, i protagonisti che sfoggiano i  luttuosi ed eleganti costumi di Franca Squarciapino, quasi volersi accomiatare dal pubblico della mostra. Video musicali e documentari ripercorrono l’attività mozartiana degli spettacoli elaborati in lingua italiana, da Mitridate re di Ponto (1770) a Idomeneo (2005). 

Mostra a cura di Vittoria Crespi Morbio e Filippo Crivelli. Allestimento di Angelo Sala e Alfredo Corno.

“Io non so se questo è un sogno”

Così interviene Despina nel concertato finale di Così fan tutte, e le sue parole vorrei che diventassero le nostre nel seguire i movimenti delle ‘ombre cinesi’ che Lotte Reiniger creò per le opere italiane di Mozart negli anni Settanta, dopo essere stata la famosa regista e ideatrice del ‘teatro d’ombre’ negli anni Trenta. Le sue figurine (siano esse Susanna o Figaro o Fiordiligi o Don Giovanni) ci invitano ad entrare nelle quattro sale che Vittoria Crespi Morbio illustra nella presentazione del catalogo.

Gli spazi della mostra sono raccontati attraverso alcuni momenti particolari che il Teatro alla Scala ha trasformato in leggenda: e ne citerò due per tutti, l’allestimento di Eugene Berman di Così fan tutte diretto da Guido Cantelli alla Piccola Scala nel 1956 e la ripresa di Lucio Silla avvenuta nel 1984 con la regia di Patrice Chéreau, dopo la prima rappresentazione del 1772 al Teatro Ducale di Milano alla presenza di Mozart sedicenne. Non è stato facile ricostruire l’attività scaligera mozartiana in quasi duecento anni, poiché si nota che il pubblico milanese del Teatro alla Scala amò Mozart nel 1800 (è del 1807 la prima rappresentazione de La scuola degli amanti o sia Così fan tutte e del 1814 la prima de Il dissoluto punito o sia Il Don Giovanni Tenorio), lo ignorò quasi totalmente nella prima parte del 1900, e lo adottò dal 1948 in avanti grazie a Herbert von Karajan, a Claudio Abbado e a Riccardo Muti.

Nelle quattro sale abbiamo voluto esaltare il teatrale incantesimo che Mozart ci offre attraverso la trilogia ‘italiana’ con la presenza determinante di Lorenzo Da Ponte come librettista; ed il commento sonoro che ci accompagna nel corso del viaggio è il montaggio delle Ouvertures più celebri alternate a quelle meno note come Mitridate re di Ponto o Lucio Silla o Idomeneo. Per ragioni tecniche, lo stesso montaggio fornisce la colonna sonora al video che abbiamo realizzato.

Il video, nella sua sequenza di immagini, viene a colmare più di una dimenticanza: se Lorenzo Da Ponte è il numero uno dei poeti mozartiani, è bene ricordare che nelle quattordici opere ‘italiane’ Mozart si è avvalso dei testi di Pietro Metastasio, Giuseppe Parini, Carlo Goldoni, Giambattista Varesco, Giovanni De Gamerra e altri ancora, ed è per questa ragione che ho voluto inserire versi o frasi degli autori dei libretti anche delle opere meno note. Senza una voce conduttrice, il video è un gioco di notizie, un mosaico di richiami, un itinerario di contrasti e accostamenti stilistici che scivolano nell’arco dei due secoli, al di là delle convenzionali successioni cronologiche. Quasi un labirinto visivo dove appaiono o svaniscono, per poi ritornare, titoli delle opere, locandine di anni lontani, personaggi, figurini, bozzetti, stampe, foto di interpreti, curiosità e cimeli che, nel loro sovrapporsi, vogliono rendere un amorosissimo tributo a Mozart.

L’Archivio fotografico del Teatro alla Scala, il Museo Teatrale alla Scala, l’Archivio di Stato di Milano e tutti i collaboratori hanno contribuito a raccogliere una documentazione che ci ha così permesso di realizzare un video insolito. Ritornano le immagini della Piccola Scala (ormai perduta nella memoria) dove, oltre al famoso Così fan tutte, furono allestite tre opere “italiane”: La finta giardiniera, Il re pastore, La clemenza di Tito. Ritornano le stampe del Regio Ducal Teatro di Milano dove Mozart quattordicenne presentò il suo primo dramma per musica, Mitridate re di Ponto, al quale seguirono nel giro di due stagioni la festa teatrale di Ascanio in Alba e il dramma per musica Lucio Silla (dal 1770 al 1772).

Scorre un video che è di gioia per tanti personaggi ritrovati, e di malinconia per tante immagini di luoghi perduti. È anche un video di gioia per quello che il Teatro alla Scala ha fatto e prodotto per Mozart, e di malinconia perché a Mozart ci si approssima sempre, senza raggiungerlo mai.

Filippo Crivelli

Un capolavoro assoluto, l'opera più rappresentata nel mondo fra quelle, tutte mirabili, di Gioachino Rossini, insomma Il Barbiere di Siviglia apre, mercoledì 25 gennaio alle ore 20.30 l'anno 2006 della Fondazione Arena di Verona al Teatro Filarmonico, secondo titolo della stagione lirica che, dopo La Traviata, prevede ancora il dittico The Flood di Stravinsky et L'Enfant et les sortilèges di Ravel (nel mese di febbraio) e la Trilogia Mozart-Da Ponte (Le nozze di Figaro, Così fan tutte, Don Giovanni) nel mese di aprile.
L'allestimento è quello che ha debuttato la scorsa estate al Rossini Opera Festival e che porta le firme prestigiose di Luca Ronconi, Gae Aulenti e Giovanna Buzzi.
L'Orchestra e il Coro dell'Arena di Verona sono guidati da Antonello Allemandi, ospite abituale dei più importanti teatri europei.
Interpreti principali: Antonio Comas (Conte d'Almaviva), Enkelejda Shkosa (Rosina), Marco Di Felice (Figaro), Bruno de Simone (Don Bartolo), Paolo Battaglia (Don Basilio).
Maestro del Coro, Andrea Cristofolini.
Il Barbiere di Siviglia si replica nei giorni 27, 29, 31 gennaio e 2 febbraio.
Mercoledì 18 gennaio alle ore 18 l'opera sarà presentata da Bruno Cagli in Sala Maffeiana, a cura degli Amici del Filarmonico, in una conversazione dal titolo: Amore e Fede Eterna. Sull'"eternità" del Barbiere di Siviglia.
Cagli, scrittore e musicologo, è uno dei più grandi esperti rossiniani in campo internazionale.
Oltre agli studi e alle numerosissime pubblicazioni sul genio pesarese, è da molti anni Direttore Artistico della Fondazione Rossini e uno dei maggiori collezionisti di autografi, partiture e cimeli relativi al musicista.
Impegnatissimo sul fronte dell'organizzazione musicale - è Presidente-Sovrintendente dell'Accademia di Santa Cecilia - ha in questi ultimi anni ridotto la sua apprezzatissima attività di oratore: ma ha voluto fare un'eccezione per la Fondazione Arena di Verona e per gli Amici del Filarmonico.

di Wolfgang Amadeus Mozart

Per la Stagione 2005/2006 organizzata dalla Fondazione Lirico Sinfonica Petruzzelli e Teatri di Bari, martedì 24 e giovedì 26 gennaio alle 20.30 al Teatro Piccinni andrà in scena il dittico novecentesco The Flood di Stravinskij/L'Enfant et les sortilèges di Ravel, nellíelaborazione registica di Daniele Abbado e con la direzione di Stefan Anton Reck.
Boris Stetka regista collaboratore, scene di Graziano Gregori, costumi di Carla Teti, Valerio Alfieri light designer, Eugenia Morosanu coreografie.
Interpreteranno The Flood: Luca Canonici, George Mosley, Alessandro Paliaga, Matteo Carlomagno, Goffredo Smeets, Mattew Spender, Lorna Windsor, Damiano Nirchio.
Nel cast de LíEnfant et les sortilèges: Laura Polverelli, Gabriella Sborgi, Lorna Windsor, Alessandra Volpe, Ruth Rosique, George Mosley, Luca Canonici, Alessandro Paliaga.
Orchestra della Provincia di Bari, Coro líOpera diretto da Elio Orciuolo, Coro di voci bianche del Conservatorio N. Piccinni diretto da Emanuela Aymone.
Allestimento Teatro delle Muse di Ancona/Fondazione Arena di Verona.

Sabato 21 gennaio 2006, il Consiglio di Amministrazione dell'Opéra Royal de Wallonie ha nominato Stefano Mazzonis di Pralafera, Direttore Generale e Artistico del Teatro di Liegi, tra una rosa di 23 candidati di provenienza internazionale e attraverso una procedura particolarmente rigorosa.

La nomina è stata ufficializzata alla presenza del Ministro della Cultura belga Fadila Laanan e del Sindaco della Città di Liegi, che è anche Presidente del Consiglio di Amministrazione del Teatro, Willy Demeyer.
Quest'ultimo, rallegrandosi della scelta ha dichiarato: "Liegi è riuscita a sedurre una personalità di fama internazionale, il Sovrintendente del Teatro Comunale di Bologna, Teatro tra i più prestigiosi in Italia".
Come spesso all'estero, la figura del Direttore Generale raccoglie in sé mansioni gestionali, ma anche artistiche, che in Italia si sdoppiano, invece, nei ruoli di Sovrintendente e Direttore Artistico, dunque Mazzonis sarà chiamato anche ad operare le future scelte artistiche dell'Opéra Royal di Wallonie.
L'incarico, che partirà dall'agosto 2007, avrà la durata di cinque anni.
L'Opéra Royal di Wallonie, costruito nel 1820 e che sarà restaurato con un investimento di 20 milioni di euro, ha una capienza di 1100 posti circa, molto simile come dimensioni al Teatro Comunale di Bologna.
L'Opéra Royal de Wallonie è uno dei teatri d'opera più prestigiosi del Nord Europa, snodo culturale per il Belgio, l'Olanda, la Germania e la Francia.
Con questa nomina anche il Teatro Comunale di Bologna rivela il prestigio internazionale che gode all'estero e che è stato messo ben in rilievo dai tutti i media belgi.

Ancora una volta la Stagione lirica e di balletto del Teatro Lirico di Cagliari si è inaugurato (il 7 gennaio 2006) con un’opera in prima esecuzione italiana o raramente rappresentata: continua così, anche nel 2006, il percorso iniziato nel 1998 con Die Feen (Le fate) di Wagner (la cui incisione dal vivo, per la Dynamic, ottenne il premio della critica quale miglior disco dell’anno), proseguita nel 1999 con Dalibor di Smetana, nel 2000 con Cerevicki (Gli stivaletti) di Cajkovskij, nel 2001 con Elena egizia di Richard Strauss, nel 2002 con Euryanthe di Weber, nel 2003 con Opricnik di Cajkovskij, nel 2004 con Alfonso und Estrella di Schubert e, nel 2005, con Oedipe di Enescu, tutte opere incise in collaborazione con Dynamic. L’inaugurazione di quest’anno è stato anche un particolare omaggio a Wolfgang Amadeus Mozart, nel 250° anniversario dalla nascita, attraverso la messinscena dell’opera di Massenet, ispirata ad uno dei personaggi mozartiani più famosi: Cherubino.

Chérubin, o della seduzione en travesti

Quel giorno di San Valentino del 1905 la Regina della scena all’Opéra de Monte-Carlo era lei, Lina Cavalieri, consegnata alla storia come “la donna più bella del mondo”. Interpretava l’Ensoleillad, prima ballerina del Teatro Real di Madrid, grande favorita del Re. Ma neppure la divina doveva rimanere insensibile al fascino acerbo del bel Cherubino, il farfallone amoroso per eccellenza, il brindisi più spumeggiante alla giovinezza, alla bellezza ed all’amore.

Tutte volentieri si lasciano sedurre, in questo gioco di leggerezze e malinconie che Jules Massenet racchiude in  “Chérubin”, comédie chantée in tre atti che venne rappresentata per la prima volta a Monte-Carlo il 14 febbraio 1905 e che da allora, pur avendo ricevuto l’apprezzamento del pubblico, giace dimenticata sotto la polvere del tempo. Oggi la ritrova il Teatro Lirico di Cagliari per proporla il 7 gennaio 2006 in apertura della nuova stagione operistica, rispettando quella che è ormai la sua tradizione in termini di scelte artistiche: inaugurare il cartellone con un lavoro di gran firma ma ignoto ai più e, come accade per “Chérubin”, mai rappresentato in Italia.

In questo caso si aggiunge la particolarità della dedica: nel 2006 il mondo celebra Mozart, e tutti i teatri segnano in calendario rappresentazioni delle sue opere. Il Lirico di Cagliari sceglie di riprendere l’omaggio che Jules Massenet, già cent’anni fa, fece al salisburghese, cogliendo un personaggio significativo come Chérubin e dedicandogli un intero lavoro operistico. Questo “Chérubin” è naturalmente una produzione originale, che la Fondazione cagliaritana ha deciso di affidare a mani illustri. L’allestimento, in francese con sopratitoli, può contare sulla raffinata regia dell’inglese Paul Curran, e sul podio ci sarà Emmanuel Villaume, chiamato a dirigere l’Orchestra e il Coro del Teatro Lirico insieme ad una compagnia di canto dalle tante eccellenze. Il tocco glamour, in quest’opera della seduzione, sta nelle scene e nei costumi di Paul Edwards, che rileggono il Settecento novecentesco di Massenet con dettagli da passerella contemporanea. Un gusto stilistico pensato per raccontare adeguatamente l’intreccio di passioni e malinconie, di leggerezze e turbamenti senza tempo messo in libretto di Francis de Croisset e Henri Cain.

Il mondo aveva lasciato Cherubino, il fortunato personaggio di Beaumarchais, pronto a partir ufficiale, sulle ultime note delle “Nozze di Figaro” di Mozart. Lo ritrova, in quest’opera, ufficiale diciassettenne come al solito attratto più dalle grazie femminili che dalla disciplina dell’esercito. In omaggio al personaggio mozartiano, anche Massenet impone un protagonista “en travesti”, una donna che canta e incanta con voce di soprano, scelta che fu già apprezzata dal pubblico dell’alba del Novecento. Questo Chérubin, seduttore impenitente, ritrova in sé, libera da ombre, l’anima di Don Giovanni. Colleziona conquiste e pegni d’amore: casti fiori, maliziosi nastri, irrinunciabili giarrettiere. E lui di ogni donna si innamora sinceramente, ci crede fino nel fondo del cuore salvo dimenticarsi, con tutta innocenza, al comparire di un’altra, nuova bellezza.

La scena si apre al castello, dove fervono i preparativi per il diciassettesimo compleanno del protagonista: per lui danzerà l’Ensoleillad, e grande è l’attesa. Ma nel frattempo, prima di innamorarsi perdutamente della bella del Re, Chérubin dovrà vedersela con i tumulti del suo cuore di volta in volta dedicato a questa o quella fanciulla, con conseguenti sfide a duello da parte di mariti e amanti gelosi, sempre sotto lo sguardo attento del suo protettore e maestro, il “Filosofo”.  Passate le danze e ripartita la magnifica Ensoleillad, l’amore vero sarà per la giovane Nina, con tanto di lieto fine.

Ma di nascosto il bel libertino non potrà fare a meno di stringere al petto un nastro di seta, pegno di un’altra dama. E per Nina, al calar del sipario, il Filosofo teme un futuro “da donna Elvira”, cuore amante trafitto dal cupo Don Giovanni. A far vibrare ancor di più le corde del sentimento è la scrittura musicale di Massenet. Sa sussultare con tratti irregolari, piegare orchestra e voci ad un intenso, avvolgente calore, muovere i ritmi con giochi rifiniti di accenti, chiedere poesia con l’ingresso garbato di inedite espressività melodiche. Per un gioco di respiri incalzante, palpitante come il cuore di Chérubin.

Il 17 febbraio sul palcoscenico del Teatro Lirico “Giuseppe Verdi” di Trieste  sarà presentata la commedia eroica tratta da Cervantes, Don Quichotte di Jules Massenet. L’opera sarà in scena in un nuovo allestimento  realizzato dal Teatro Verdi e ambientato nella Spagna d’inizio ‘900  a cura del regista  Federico Tiezzi, coadiuvato da Pier Paolo Bisleri per le  scene, da Giovanna Buzzi per i  costumi e da Iuraj Saleri per il disegno luci.

Come Massenet fu attratto dal personaggio di Don Quichotte non tanto per il carattere epico-visionario  della figura, ma per la sua identificazione con  una “classicità” eroica e sublime  a quel tempo oramai al tramonto, la messa in scena dell’opera, ideata da Tiezzi e caratterizzata da una profonda caratura teatrale, contrappone due mondi a inizi ‘900, quello nascente del cinema e quello, in parte soccombente, del teatro che intende difendere se stesso.

Sotto la direzione del M° canadese Dwight Bennet al suo debutto sul podio triestino,  la compagnia di canto vedrà  impegnati in alternanza nei ruoli principali Giacomo Prestia e Arutjun Kotchinian (Don Quichotte), Laura Polverelli e Annie Vavrille (Dulcinea) e Alessandro Corbelli e  Paolo Rumetz nel ruolo di Sancho.

L’opera, si rappresenta in lingua originale con sopratitoli e si replica  il 18, 19, 21, 22, 23, 24 febbraio 2006

Trieste, 18 gennaio 2006

La Fenice per Carnevale

Per il Carnevale 2006 la Fondazione Teatro La Fenice propone tre produzioni: uno spettacolo di danza, un’opera e un gala lirico-sinfonico.

Da mercoledì 15 a domenica 19 febbraio, tutti i giorni (alle ore 19.00 il 15, 16, 17; alle ore 15.30 il 18 e il 19), il Teatro Malibran ospiterà la compagnia newyorchese Les Ballets Grandiva, fondata nel 1996 da Victor Trevino e formata da 19 ballerini uomini che giocano en travesti con i ruoli delle grandi dive del balletto romantico. Con tecnica impeccabile e virtuosismo sfolgorante la compagnia rileggerà in chiave umoristica alcune delle coreografie classiche del repertorio otto-novecentesco (da Perrot e Petipa a Fokin e Balanchine): una miscela irresistibile di ironia ed eleganza.

Gran finale il 28 febbraio — martedì grasso — alle ore 20.00 al Teatro La Fenice con un gala lirico-sinfonico dal titolo Sulle vie della Cina, contributo della Fenice alla tematica cinese del Carnevale del Teatro di quest’anno (che Maurizio Scaparro, direttore del Settore Teatro della Biennale, ha intitolato “Il drago e il leone”). All’Orchestra e Coro del Teatro La Fenice guidati dal giovane direttore donna cinese Zhang Jemin (e da Emanuela Di Pietro, direttore del coro) si unirà una compagnia di danzatori, acrobati, strumentisti e cantanti cinesi per dar vita a uno spettacolo multimediale ideato da Francesco Stochino Weiss che affiancherà musiche tradizionali cinesi e tibetane a musiche simbolo della tradizione veneziana (La biondina in gondoleta, le variazioni per soprano sul tema del Carnevale di Venezia) e a brani d’opera di Rossini e Puccini (l’Ouverture del Guglielmo Tell, l’esilarante aria «Medaglie incomparabili» da Viaggio a Reims, il delizioso Duetto buffo di due gatti e, per il gran finale su immagini della Città Proibita, «Nessun dorma» e il duetto Calaf-Turandot dal terzo atto di Turandot). Da segnalare la partecipazione di Ma Xiang Hua, giovane virtuosa di erh-hu (una viella ad arco cinese) di fama internazionale, e di Massimo Ranieri, che canterà una canzone accompagnato dall’orchestra del Teatro La Fenice.

A Parma il debutto

col FAUST di Gounod

Il debutto di Michele Pertusi che canta a Parma per la prima volta nella sua carriera la parte di Mefistofele è solo uno dei tanti elementi che rendono estremamente interessante il Faust di Charles Gounod in scena il prossimo 27 gennaio al Teatro Regio di Parma, secondo titolo della Stagione d’Opera 2005/2006 affidato alla direzione di Donato Renzetti. 

L’opera che il musicista francese trasse dal dramma di Goethe con l’ausilio dei librettisti Jules Barbier e Michel Carrè, conta su due grandi interpreti quali il tenore Roberto Aronica nel ruolo di Faust e il soprano Inva Mula nelle vesti di Margherita, sulla presenza di Hugo De Ana, che ha curato regia, scene, costumi e luci del sontuoso allestimento nato in coproduzione fra il Teatro dell’Opera di Roma e il Teatro Regio di Torino. Una novità caratterizza lo spettacolo in scena a Parma. Michele Pertusi si presenta infatti anche in veste di attore. Il celebre basso ha accettato l’invito rivoltogli dal regista Hugo De Ana che gli ha chiesto di recitare una parte del Prologo del poema di Goethe. Invito che Michele Pertusi ha accettato con entusiasmo, come un omaggio al capolavoro che ha ispirato la celebre opera di Gounod. 

“Goethe è al centro di tutto – spiega il regista Hugo De Ana che considera quello di Parma un suo nuovo spettacolo - soggetto, storia, opera. Non posso accontentarmi soltanto della musica di Gounod. Stiamo confrontandoci con un mito universale: la sfida dell’uomo all’ignoto e al trascendente. Senza Goethe, né Gounod né Santa possono condurre il ballo. Soltanto attraverso l’origine letteraria dei personaggi si può capire il significato di tutta la danza condotta da Mefistofele nell’opera. Altrimenti si rischia di banalizzare il Faust. Gounod porta a termine uno splendido compromesso: accetta le regole del teatro contemporaneo e non cerca una trascendenza rispetto alla già consistente drammaturgia del soggetto. Insomma a modo suo rimane fedele a Goethe. Ho immaginato al centro della scena un grande cubo, un elemento che rappresenta la geometria pura cui si lega la razionalità umana un enorme caleidoscopio, una gabbia dove si raccolgono e si scontrano tutti i desideri e le pulsioni”.

Da questa visione del regista ecco la scelta originale di far precedere l’opera da uno stralcio tratto dal Prologo in terra del capolavoro goethiano, recitato dalla viva voce di Michele Pertusi. 

Faust debuttò il 19 marzo 1859 al Théatre Lyrique e nelle Memorie Gounod evoca con molta modestia il clima di quei giorni: “È stato finora il mio più grande successo teatrale. L’opera è stata molto discussa, tanto che non potevo nutrire grandi speranze nel suo successo”. Ben presto Faust sarà rappresentato in altri teatri e all’estero. Per le riprese Gounod sostituisce gli originali dialoghi parlati con recitativi strumentati fino al debutto della versione che tutti noi conosciamo avvenuta all’Opéra il 3 marzo 1869. 

Luca Salsi (Valentino), Roberto Tagliavini (Wagner), Daniela Pini (Siebel) e Katarina Nikolič (Marta) sono gli altri interpreti di questa produzione che si avvale delle coreografie di Leda Lojodice e dei complessi artistici del Teatro Regio di Parma, con il Coro affidato alla guida di Martino Faggiani.

Dopo la prima il 27 gennaio alle ore 20, le repliche di Faust sono fissate per domenica 29 (ore 15.30), martedì 31 gennaio (ore 20), giovedì 2 febbraio (ore 20), sabato 4 febbraio (ore 17).

Dopo Faust la Stagione d'Opera 2005/2006 del Teatro Regio di Parma prevede un omaggio mozartiano con Die Zauberflöte nel fortunato allestimento che si vale delle scene viventi della compagnia del Pilobolus e i costumi di Romeo Gigli e successivamente un capolavoro di Benjamin Britten The Turn of the Screw nello spettacolo di Luca Ronconi e con la direzione di Bruno Bartoletti. Il trovatore e Macbeth saranno le due opere presentate nel corso del Festival Verdi 2006 in due prestigiose produzioni dirette da Renato Palumbo e Bruno Bartoletti.

La Stagione d’Opera 2005/2006 del Teatro Regio di Parma è realizzata anche grazie al contributo del Ministero per i Beni e le Attività Culturali, Fondazione Parma Capitale della Musica, ARCUS, Reggio Parma Festival e con il sostegno di Banca Monte Parma, Enìa, Monte dei Paschi di Siena, L’Albero d’Argento – Coppini Arte Olearia, Barilla, Melegari Home, Terme di Tabiano, Parma Motors.

Teatro Regio

venerdì 27 gennaio 2006, ore 20.00 turno A

domenica 29 gennaio 2006, ore 15.30 turno D

martedì 31 gennaio 2006, ore 20.00 turno B

giovedì 2 febbraio 2006, ore 20.00 turno C

sabato 4 febbraio 2006, ore 17.00 turno F

In occasione della Giornata della Memoria, il 26 e 27 Gennaio va in scena al Piccolo Regio, per il pubblico delle scuole, l’opera per bambini BRUNDIBÁR, di Adolf Hofmeister e Hans Krása. Carlo Pavese dirige i piccoli solisti del Coro di voci bianche del Teatro Regio e del Conservatorio “G. Verdi”.

All’inizio degli anni ’40, quando Hitler stava già mettendo in pratica il suo folle e spietato piano di sterminio sistematico della popolazione ebrea, esisteva un luogo dove, paradossalmente, la “entartete Kunst”, quell’arte degenerata messa al bando dal nazismo per motivi razziali riusciva, benché debole, a sopravvivere: Terezin, una città-ghetto a sessanta chilometri a nord-ovest di Praga, nella quale i nazisti convogliarono migliaia di ebrei e oppositori politici e che si trasformò, a partire dal 1942, in un vero e proprio campo di concentramento. Questo era l’unico campo per il quale i nazisti sollecitavano una visita della Croce Rossa Internazionale: a Terezin, infatti, i deportati dovevano in apparenza continuare a vivere fino alla morte naturale, mostrando che il nazismo perseguiva l’eliminazione del popolo ebreo, ma con metodi umanitari - era l’unico caso di campo autogestito dagli internati dove la vita, doveva sembrare più che decente. Fu proprio qui che il compositore ebreo Hans Krása orchestrò il suo Brundibár, un’operetta scritta per 10 bambini solisti, coro e orchestra fra il 1938 e il 1939. Quella che in apparenza può sembrare una semplice ma bella favola per bambini (Nell’intento di raccogliere dei soldi per aiutare la madre malata, Aninka e suo fratello Pepicek decidono di cantare canzoni per strada. Riusciranno nel loro intento solo grazie all’aiuto di tutti i bambini e all’appoggio degli animali del quartiere che scacceranno il perfido suonatore Brundibár) è una storia con una intensa simbologia: il perfido Brundibár altro non rappresenta se non l’oppressore nazista e i fanciulli sono le inermi vittime dello sterminio che i nazisti organizzarono contro gli ebrei.
Nel ghetto di Terezin Brundibàr fu eseguita per la prima volta il 23 settembre 1943 e poi, ancora, più di cinquanta volta ufficialmente. Ma il successo fu tale che in realtà, le repliche furono innumerevoli, organizzate clandestinamente dai prigionieri nei luoghi più disparati. Della musica, dunque, per “poter sopportare le più terribili ore della propria esistenza”, come disse uno dei musicisti di Terezin. Il paradosso sta proprio in questo: l’unico luogo d’Europa in cui poté esprimersi la cultura ebraica durante la Seconda Guerra Mondiale fu un campo di concentramento.
Quasi tutti i bambini internati protagonisti furono poi trasferiti ad Auschwitz, come anche il compositore Hans Kràsa, ucciso il 18.10.1944.

Con Die Entfürhrung aus dem Serail (Il ratto dal serraglio) al Teatro Massimo raggiungono il clou le celebrazioni del 250.mo anniversario della nascita di Wolfgang Amadeus Mozart. L’opera, con la regia di Stephen Medcalf scene e costumi di Isabella Bywater, luci di Bruno Ciulli, andrà in scena al Teatro Massimo dal 25 gennaio al 5 febbraio 2006. Sul podio, a dirigere Coro e Orchestra del Teatro Massimo, Gabriele Ferro.

Primo dei capolavori mozartiani dopo il trasferimento dell’autore a Vienna, “Il ratto”, fu composto nel 1782. Andò in scena il 16 luglio dello stesso anno al Burgtheater, registrando un grande successo. Si tratta di un singspiel (teatro musicale misto di recitazione e canto) in tre atti. Il soggetto riprende la leggenda medievale di Florio e Biancofiore ed è ambientato in Turchia. Il singspiel, sul testo di Johann Gottlieb Sthepanie intitolato “Belmonte und Constanze oder Die Entfurhrung aus dem Serail” rappresenta perciò il primo passo verso lo sviluppo del teatro musicale tedesco. Dopo la sua rappresentazione non mancarono le polemiche. Il librettista fu accusato di plagio dallo scrittore Bretzner, autore di un “Belmonte e Costanza” dal quale Stephanie attinse parecchio. La storia, però, così come l’ambientazione, risente di notevoli influssi e rientra nel genere, abbastanza noto, della turcheria settecentesca. Narra del ratto di Constanze, rapita dai pirati insieme al servo Pedrillo e alla cameriera Blonde e del tentativo del nobile spagnolo Belmonte, di liberare la donna amata finita nell’harem di Selim pascià. Per la maggior parte i personaggi musulmani sono ritratti come ostili o ridicoli, e mostrano totale inabilità di comprendere “mores” e usanze occidentali. Il punto culminante della storia implica inevitabilmente un tentativo di fuga. Chiunque abbia familiarità con Il ratto dal serraglio – dice Stephen Medcalf - riconoscerà questo modello. Ad ogni modo, il genio della musica di Mozart e la sua comprensione istintiva della natura umana elevano la storia ad un livello molto più alto. Nelle sue mani diventa un’esposizione del bisogno di tolleranza e comprensione fra culture diverse e una celebrazione del potere della mente e del cuore di controllare e vincere le passioni di lussuria e vendetta. Sotto questo aspetto Il ratto anticipa i temi del più grande di tutti i Singspiel: Il flauto magico. E come Tamino, Belmonte pensa di intraprendere un viaggio per liberare la sua amata da un tiranno crudele, ma in realtà il viaggio diventa di scoperta di se stesso. Proprio come Tamino nutre svariati preconcetti nei confronti di Sarastro, così Belmonte nutre un’“idea fissa” su Bassa Selim. Lo immagina lussurioso, crudele e vendicativo e pensa che abbia già preso Konstanze con la forza. In realtà Selim si comporta con grande dignità.”
La scenografa e costumista Isabelle Bywater ha concepito uno spazio scenico all’insegna della privazione: è un ambiente nudo, asciutto, essenziale, con grandi archi a tutto sesto. E’ un’atmosfera che ricorda quella del Topkapi Sarayi ad Istanbul (il serraglio dei sultani dell’impero Ottomano). L’esterno è freddo e austero, ma l’interno è di una ricchezza eccessiva. Dovunque vi sono cancelli e grate, sbarre e serrature. È un luogo di ricchezza ma anche di restrizione; si ha tutto ciò che si vuole, eccetto la libertà; un incrocio fra un palazzo e una prigione. Perciò è allo stesso tempo seducente e intimidatorio, accogliente e claustrofobico. Anche se il design di questa messa in scena trae ispirazione dall’architettura ottomana e moresca, dalla Turchia fino a Cuba, la chiave dell’Entführung è ricreare questa atmosfera molto particolare e speciale.

Sul podio del Massimo, dopo i successi di Salome e Pelleas e Melisande della passata stagione, ritorna il direttore palermitano Gabriele Ferro, al suo debutto nel titolo.
”La musica del ratto – dice Ferro – è di una bellezza incredibile, la tessitura è molto articolata e l’opera si può senz’altro ascrivere fra i capolavori di Mozart, benchè essa non sia rappresentata frequentemente.”
L’ultima messa in scena de Il ratto da serraglio risale alla stagione 1984, al Politeama Garibaldi. L’opera fu diretta da A.Rahhbari, con la regia di G.Lavaudant e Mariella Devia nel ruolo di Konstanze.
In scena il soprano palermitano Désirée Rancatore (Konstanze), Anna Maria Dell’Oste (Blonde), Jörg Schneider (Belmonte), Kurt Azesberger (Pedrillo), Heinrich Baumgartner (Selim), Biarni Thor Kristinson (Osmin). Nelle altre recite si alterneranno Yelda Kodalli, Gabriella Costa Maluberti, David Alegret, Christoph Späth, Friedermann Kunder. Maestro del Coro, Paolo Vero.
Recite con il primo cast il 25, 27, 29 gennaio e 3, 5 febbraio. Con il secondo cast il 26 e il 31 gennaio e il 4 febbraio 2006. Le recite saranno alle 18,30 il 26, 27 e 31 gennaio e il 3 febbraio. Alle 20,30 il 25 gennaio e il 4 febbraio. Alle 17,30 il 29 gennaio e il 5 febbraio. Allestimento del Teatro delle Muse di Ancona e del Teatro lirico di Cagliari. L’opera sarà proposta in lingua originale con sopratitoli.
Prezzi: 12-97 euro. Riduzioni per studenti, under 28, insegnanti e over 65. Info al numero verde 800655858 (mar-dom 10-15).

L’Ufficio Stampa
Palermo 20 gennaio 2006

Ascanio in Alba

Festa teatrale in due parti KV 111

libretto di Giuseppe Parini

musica di Wolfgang Amadé Mozart

(Prima: Milano, Teatro Regio Ducale, 17 ottobre 1771)

Personaggi ed interpreti:

Venere – Monica Gonzalez

Ascanio, nipote di Venere – Romina Basso

Silvia, ninfa del Sangue d’Ercole – Cinzia Forte

Fauno, uno dei principali pastori – Desirée Rancatore

Aceste, sacerdote – Bernhard Bertchold

Orchestra e Coro del Teatro Comunale di Modena

Direttore Ottavio Dantone

Maestro del coro Marcel Seminara

Regia di Michal Znaniecki

Scene di Luigi Scoglio

Costumi di Zofia De Ines

Coreografie di Aline Nari

Luci di Daniele Naldi

Nuovo allestimento del Teatro Comunale di Bologna in coproduzione con il Teatro dell’Opera di Roma

Modena, Teatro Comunale, martedì 10 gennaio 2006

Dopo il successo ottenuto nel 1770 da “Mitridate”, al quindicenne Mozart veniva commissionata un’opera celebrativa per i festeggiamenti del matrimonio imperiale tra Maria Ricciarda Berenice d’Este e l’arciduca Ferdinando.

Uno schema estremamente convenzionale è il modello stesso della “licenza” barocca: Venere era Maria Teresa d’Austria in persona, pronuba delle fauste nozze tra il figlio Ascanio (l’arciduca Ferdinando) e Silvia (Maria Beatrice Ricciarda d’Este, nipote di Francesco III duca di Modena e figlia di Ercole Rinaldo, che avrebbe ereditato il trono nel 1780). Aceste, il vecchio sacerdote tutore di Silvia, è il duca Francesco III; Fauno, alla guida dei pastori che edificano Alba (ovvero la Milano rinnovata da Maria Teresa), è il potente e acutissimo Conte Firmian, plenipotenziario degli Asburgo per la Lombardia. La “festa teatrale” Ascanio in Alba conserva quindi un legame importante con la città di Modena e la stagione lirica del Teatro Comunale ha proposto un nuovo allestimento, prodotto da Teatro Comunale di Bologna e Teatro dell’Opera di Roma.

Il regista polacco Michal Znaniecki ha realizzato un grande banchetto nuziale, una specie di scatola magica dove, richiamandosi a tutti i topoi dell’Arcadia e del teatro barocco, ci sono apparizioni di ogni genere. Un grande tavolo argenteo, con stemmi delle rispettive famiglie si trasforma in un palcoscenico, in una cornice che inquadra l’apparizione della Dea, in una passerella dove le ninfe danzatrici si deliziano con i balli, che Mozart ha innovativamente fatto accompagnare dal coro. Anche i costumi rimandano alle nozze ducali senza cadere nella trappola pastorale. Znaniecki nelle sue note di regia ha subito chiarito quanto sia difficile oggi comprendere una Serenata teatrale del 18° secolo senza tenere conto del contesto storico e politico; attingere ad esso consente così una doppia visione, come nella prima scena in cui il coro dei milanesi rinuncia alla propria libertà o alla duchessa costretta alle nozze per salvaguardare la situazione della casata modenese. C’è, in questa bella regia di Znaniecki, l’eco teatro di stupore: apparizioni, carri fantastici, botole. Un gioco metateatrale condotto con raffinati incastri (sono gli invitati dell’Imperatrice a personificare, tra un tripudio di portate, pastorelli e ninfe. Di grande fantasia i costumi, che spesso alludono a mutazioni con elementi aggiuntivi, o, come nel caso di Maria Teresa, togliendosi di dosso il suo costume da imperatrice per svelare un abito abbagliante che la trasforma in Dea. La scenografia ideata da Luigi Scoglio, efficacissima, era attraversata da slittamenti di paratie nel fondale che ritagliavano inusuali spazi scenici, e di fondamentale importanza le luci di Daniele Naldi. Tra la stilizzata corte viennese, dai riflessi argentati, e l’intricata sfera di rovi contorti, i cambi di scena erano rapidi e di grande suggestione.

“Le Loro Altezze Reale” – racconta Leopold in una lettera che rende conto del successo ottenuto dall’Ascanio in Alba – “non solo applaudirono così tanto che due arie dovettero essere ripetute, ma, sia durante che dopo la rappresentazione, entrambi si sporgevano dal loro palco verso Wolfgang e manifestavano la loro graziosa approvazione escalmando “Bravissimo Maestro””.

L’unica recita al Teatro Comunale ha segnato il tutto esaurito ed una entusiasmante accoglienza da parte del pubblico alla fine dell’esecuzione. Se a Milano era il più celebre castrato dell’epoca, Giovanni Manzuoli, degno successore di Farinelli, a vestire i panni di Ascanio (Mozart lo aveva conosciuto durante il suo viaggio in Inghilterra), a Modena era Romina Basso, dai bei centri e il cui registro grave era di eccezionale morbidezza; Venere e Silvia così come il tenore, erano delle celebrità dell’epoca (la Falchini, la Girelli e Giuseppe Tibaldi); a Modena i panni di Silvia erano vestiti da Cinzia Forte, alla quale Mozart affida alcune delle pagine più belle di Ascanio, come la sua prima aria, in mi bemolle, che anticipa un certo incanto di Così fan tutte, e l’accompagnato seguito dall’aria Infelici affetti miei, in cui Silvia esprime una sorprendente profondità emotiva che sorprende ancor più se si pensa che Mozart allora era quindicenne. Cinzia Forte sa cogliere appieno tutta la malinconia della protagonista (ed in filigrana si intravede quella languida serenità che sarà una delle pagine finali di Mozart compositore, Io ti lascio, o cara, addio). Autorevole la Venere/Maria Teresa di Monica Gonzalez e stilisticamente perfetto l’Aceste di Bernhard Bertchold. L’orchestra del Comunale di Bologna, sotto la guida attenta di Ottavio Dantone, ha eseguito con precisione stilistica ed nitore strumentale la partitura mozartiana, guardando più allo spirito della Serenata che al rigore filologico. Resta Desirée Rancatore, cui sono andati gli applausi più calorosi al termine della pirotecnica aria del secondo atto, che raggiunge un Sol sopra il rigo; se indiscutibile è la tecnica (onore al merito), spesso la facilità dei sovracuti fa perdere di vista il resto. La monotonia del canto, soprattutto nei recitativi (punto debole della Rancatore anche nell’Europa riconosciuta di Salieri, alla Scala, dicembre 2005). Inoltre, scenicamente, questo Fauno era la cosa peggiore da vedere; nel primo atto alla Rancatore la costumista appioppa un maxi-impermeabile che la attozza, e i suoi movimenti (più da pecoraro madonita che da Fauno arcadico...) andavano forse da Znaniecki meglio curati. Nel secondo atto Zofia De Ines la veste da Puffo Clorofilla, e la Rancatore, con le sue mossettine (si vedano quelle dopo il bacio della pastorella) aggiunge un tocco di involontaria comicità. Ma forse, anche il comico, in una festa teatrale, ha la sua ragion d’essere...

Sergio Albertini (c) 2006

La Betulia liberata

Azione sacra in due parti su libretto di Pietro Metastasio

Musica di Wolfgang Amadé Mozart

(adattamento di Piero Rattalino)

Lisa Larsson, Barbara Bargnesi, soprani

Anna Rita Gemmabella, Alessia Nadin, mezzosoprani

Thomas Walker, tenore

Maurizio Lo Piccolo, basso

Orchestra I Pomeriggi Musicali

Ars Cantica Choir

Antonello Manacorda, direttore

Marco Berrini, maestro del coro

Valentine Barker, maestro al cembalo

Nicola Orofino, voce recitante

Milano, Teatro Dal Verme, sabato 14 gennaio 2006

Primo viaggio  di Mozart in Italia. E’ il 1771. Padova è una tappa lungo il rientro verso Salisburgo. Gli viene commissionato un oratorio su testo di Pietro Metastasio, da presentare probabilmente durante la stagione di Quaresima dell’anno successivo. Un oratorio, quindi, l’unico composto da Mozart; con le sue differenze formali dall’apore. Due atti anziché tre, un predominio della parte corale. La storia è quella biblica di Giuditta ed Oloferne, ben nota nel Settecento, ma vista con occhio obliquo. Oloferne, infatti, non compare, mentre i dettagli della sua decollazione vengono ampiamente cantate da Giuditta. Deuteragonista è invece il principe ammonita Achior, che in seguito al gesto omicida di Giuditta si converte. Il testo ha una solida qualità letteraria che adatta la storia alla specificità dell’oratorio/opera senza costumi dei tempi in cui lo spettacolo era proibito per farne un appello alla conversione. In questa prospettiva, il soggetto più che alla liberazione degli Ebrei assediati si accentra più alla perplessità che questa liberazione possa giungere da una debole donna, e quindi al relativo pentimento per la mancanza di fede. Da cui l’importanza dell’aria di Amital Con troppo mal viltà, una delle pagine più alte della partitura.

Importante è il ruolo dell’orchestra, in cui sono presenti ben quattro corni; ed è l’orchestra ad imporsi sin dall’ouverture in re minore. Alcune pagine sono premonitrici di capolavori ulteriori, come l’aria di Cabri Ma qual virtù non cede, il cui sol minore annuncia l’aria di Pamina nella Zauberflöte. Il giovane Mozart – cui I Pomeriggi Musicali stanno dedicando, all’interno della loro stagione, un preziosissimo percorso musicale – era sicuramente ben cosciente dell’ottima riuscita dell’aria di Ozia con coro Pietà, si irato sei; ancora, da segnalare l’ultima aria di Carmi, Odi, o Signor (di un fa minore intenso e drammatico) prepara il finale di Giuditta con coro, Lodi al Gran Dio, in cui Mozart utilizza il tonus peregrinus dei Vespri sul salmo In exitu Israel, evocante la liberazione del popolo dopo la schiavitù in Egitto. E l’aria parabola Prigionier che fa ritorno è logica e preziosa nell’evolversi dell’azione sacra.

In una lettera del 27 luglio 1784 – un anno prima de Le Nozze di Figaro - sottolinea come ne La Betulia ci siano “uno o due pezzi di gran valore”.

Forse il pubblico milanese che nel pomeriggio di sabato gremiva il Teatro Dal Verme non era unanime nel giudizio del compositore; nella prima parte numerosi sono stati gli abbiocchi, nell’intervallo ho visto fuggire una sia pur piccola, ma consistente parte del pubblico che poco aveva apprezzato la proposta. Che invece era preziosa per molte ragioni. Innanzi tutto, coerente con quanto in stagione, che disegna, in questo 250sima ricorrenza dalla morte di Mozart, un percorso tra i più interessanti tra quelli realizzati dalle istituzioni musicali italiane. Poi, La Betulia liberata, di raro ascolto, è davvero opera di grande interesse; Mozart aderisce al modello di oratorio italiano tardo barocco, con ampi recitativi, arie con virtuosismi vocali, un trattamento semplice del coro, un’orchestrazione massiccia. Il libretto del Metastasio era certamente noto a Mozart in quanto il conte von Firmian, nel 1770, gli aveva fatto dono di una edizione delle opere complete del poeta (una copia in similanastatica del libretto era distribuita agli spettatori).

La direzione di Antonello Manacorda è stata di grande trasparenza, attenta alle dinamiche e al giusto respiro delle voci, tutte giovani ma già importanti. Nei panni dell’eroina protagonista la salernitana Anna Rita Gemmabella (che sostituiva la preannunciata Marianna Pizzolato); impressionava il colore di autentico mezzosoprano, la densità della grana, la ricchezza delle sfumature espressive. Suo antagonista, il palermitano Maurizio Lo Piccolo, un basso che mantiene uno smalto brillante anche nel registro più acuto (impressionante l’esecuzione dell’aria Non vede il fole anima più superba); sciorinava con disinvoltura le impervie agilità della sua parte anche il tenore inglese Thomas Walker. Di rilievo anche la prestazione di Lisa Larsson e, nei due ruoli minori, di Barbara Bagnesi e di Alessia NAdin.

Sergio Albertini (c) 2006

Evgenij Onegin

Scene liriche in tre atti, sette quadri

Libretto di P.I.Cajkovskij e K.Silovskij tratto dall’omonimo poema di A.Puskin

Musica di P.I.Cajkovskij

Personaggi e interpreti

Larina – Alexandrina Milcheva

Tatiana – Olga Guriakova

Olga – Nino Surguladze

Njanja Filipevna – Irina Bogatcheva

Evgenij Onegin – Albert Schagidullin

Lenskij – Giuseppe Sabbatini

Gremin – Leonid Zimnenko

Un Capitano – Olexander Blagodarnyy

Saretzkij – Alexander Teliga

Triquet – Vjaceslav Voynarosky

Un contadino – Woo Suk Byun

Gillot – Marco Ghirlandini

Passo a due: Maria F.Garritano, Claudio Cangialosi

Orchestra e Coro del Teatro alla Scala di Milano, direttore Vladimir Jurowski

Maestro del coro Bruno Casoni

Allestimento del Glyndebourne Festival Opera

Regia di Graham Vick

Scene e costumi di Richard Hudson

Luci di Matthew Richardson

Coreografie di Ron Howell

Milano, Teatro alla Scala, martedì 17 gennaio 2006, terza rappresentazione

Com’è lontano, l’Onegin cantato, dallo spirito del romanzo di Puskin! Cajkovskij ne dà una versione stereotipata, sviluppa i clichés della letteratura preromantica, e laddove, in Puskin, Onegin è una sorta di Don Giovanni blasé, ma che la lettera di Tatiana tocca profondamente, nel libretto che lo stesso compositore elaborò assieme a Silovskij, Onegin consiglia freddamente alla fanciulla di imparare a dominarsi; e il suo monologo è privato del substrato drammatico che traspare invece nei versi del romanzo.

L’edizione, proveniente dal Festival di Glyndebourne, è approdata alla Scala senza mostrare gli oltre dieci anni che ha sulle spalle, offrendo al pubblico milanese uno dei migliori allestimenti del capolavoro musicale (ché tale è, nonostante le diversità dal romanzo originale) di Cajkovskij. Ed è, tra le tante regie di Graham Vick, una delle più felici. Il dramma nasce e si nutre in un ambiente di festa popolare dapprima, di festa di corte dopo; è sempre un rischio, ma Vick, con lo splendido contributo delle scene e dei costumi di Richard Hudson e l’efficace uso delle luci di Matthew Richardson, evita ogni scivolone. Tutta l’opera si svolge entro ad un geometrico contenitore, una camera chiara che ha il colore della betulla; pochi segni, essenziali, forti (due sedie, un letto, siepi di spighe a definire lo sfondo campestre, morbidissimi tendaggi scorrevoli raccontano l’avvicendarsi degli accadimenti, racchiudendo (o meglio; abbandonando) i protagonisti alla solitudine delle loro passioni e del loro destino.  Un minimalismo che trova la massima efficacia nei duetti tra Tatiana e Onegin; due sole sedie in scena (in ferro battuto nel primo atto, in legno intagliato nell’ultimo), coi protagonisti a darsi le spalle, quasi a sottolineare un dialogo tra sordi. La scena del duello si percepisce dall’interno di un fienile; un solo colpo di pistola oltre le mura, senza assistere alla morte di Lenskij. Belle le coreografie del primo atto, con echi di popolare ma senza realismo oleografico, e originale quella dell’inizio del terzo atto, in cui le contadine, costituendo una catena umana attraverso le loro braccia intrecciate, attraversano a piccolissimi passi ritmati il bordo del palcoscenico.

La direzione di Jurowski lascia perplessi; ampio il respiro del suo fraseggio, spesso lascia che gli ottoni e le percussioni prevalgano oltre misura sul complessivo tessuto sonoro; c’è come, in certi punti, un eccesso di enfasi, che poco si sposa con la regia di Vick, organizzata per sottrazioni. Son belle, davvero, le mazurche, le polacche delle feste, ricche di nuancées. Poco però il direttore sottolinea il tocco sognante, come nell’arioso di Lenskij, o i momenti di nobiltà, come nell’aria di Gremin. C’è passione, nella direzione di Jurowski, e forse è passione giovanile, ancor carica di energia, e povera di malinconia. Bastava ascoltare Giuseppe Sabbatini, per capire come poteva essere questo Onegin.

Sabbatini (ma perchè una claque che grida a gran voce “Bravo Pino!” ? non ne ha alcun bisogno...) è stato da qualche critico attaccato oltre misura. E’ invece quel che più coglie, a mio avviso, il senso della musica di Cajkovskij: nell’aria del secondo atto cogli, nella sua magnifica interpretazione, l’esatto mélange tra la nostalgia del passato e l’accettazione del destino, qualunque esso sia. Mezze voci liquide e sostenute da splendidi fiati lo confermano tenore tra i massimi della scena attuale, ma, ahimé, non supportato dallo star system... Meno mi è piaciuto Sabbatini nella provocazione e nella sfida con Onegin; qui gli chiederei di esprimere rabbia e sdegno, sì, ma con l’eleganza che compete a Lenskij.

Tatiana era Olga Guaryakova. Al suo attivo diversi premi, tanto Cajkovskij (La dama di picche a Monaco, Mazepa al Met e alla Scala, Onegin ad Aix-en-Provence). Sotto la regia di Vick, la sua Tatiana è una fanciulla dimessa (e – unico neo di una produzione straordinaria – abbigliata in modo ridicolo nell’ultimo atto, con turbante, piuma, e gonna al polpaccio che la attozza molto), che canta la splendida aria della lettera ora sdraiata per terra, ora rannicchiata sul suo lettino, ora inginocchiata per scrivere con agitazione. E pure, con un canto tecnicamente corretto, con una discreta gamma dinamica, con un timbro centrale corposo e omogeneità nei registri, questa Tatiana non commuove. Gli slanci lirici, le esitazioni, l’inquietudine, l’esaltazione amorosa, persino certa naïvité sono pensate qui, vocalmente e scenicamente, verso una Tatiana invasata, preda quasi di una sindrome isterica come descritta da Charcot si certi casi traumatici. Forse è per questo che Tatiana si versa sul capo una brocca colma d’acqua fredda...

Indisposto, Ludovic Tézier è stato sostituito da Albert Shagidullin, baritono che ha studiato con Nesterenko e vincitore di numerosi premi, tra cui il Pavarotti di Philadelphia nel 1992. L’avevo già ascoltato a Palermo (c’era la Tatiana della Freni), e poco mi aveva convinto; l’ho ascoltato nella Dama di picche napoletana, ne Cerevicki cagliaritano, e mi aveva colpito meglio il colore della voce, brunito, rotondo. Qui riesce ad essere scenicamente un Onegin senza statura, un dandy dalla giovinezza dorata verso cui non si riesce a provare alcuna compassione; le braccia sempre penzoloni, il visto privo di ogni espressione, cinico fino all’aridità, porta queste sfumature anche nella sua interpretazione vocale, laddove però si vorrebbe, come alla fine dell’opera, un riscatto, la scoperta della trepidazione amorosa.

Magnifiche tutte le altre parti; Alexandrina Milcheva (Larina), Nino Surguladze (un’Olga saltellante – fin troppo! – e vocalmente impeccabile), Irina Bogatcheva (un’affettuosa Njanja Filipevna), Leonid Zimnenko (un’elegantissimo Gremin, che regala una timbratissima L§bvi vse vozartsy pokorny all’inizio del terzo atto), Vjaceslav Voynarosky (amabile Olexander Blagodarnyy, Alexander Teliga, Woo Suk Byun (che intona con bella voce Bolàt moi skory nozenski nel coro di apertura) Coro superbo, sotto la guida di Bruno Casoni, e bravissimo anche in scena.

Sergio Albertini (c) 2006

Damiani, De Nobili, Tosi -Scene e costumi

Tre grandi artisti del XX secolo

L’ Accademia di Francia a Roma (Villa Medici, Viale Trinità dei Monti,1 - 00187 Roma), diretta da Richard Peduzzi, inaugura il nuovo anno con un’ importante mostra dedicata all’opera di “Luciano Damiani, Lila de Nobili e Piero Tosi. Scene e Costumi – tre grandi artisti del XX secolo”, curata da Gioia Fiorella Mariani, François Regnault e Dino Trappetti

Un’ampia selezione di opere, tra scene e costumi (bozzetti e originali), per ognuna delle tre sezioni attorno alle quali si articolerà l’esposizione (una parte dedicata a Lila de Nobili, una a Piero Tosi e infine una riservata a Luciano Damiani), traccerà i punti salienti dell’opera dei tre artisti sviluppatesi all’interno della storia della scenografia in Italia, nella seconda metà del XX secolo. Tale ambizioso progetto intende innanzitutto offrire una visione d’insieme della creazione italiana, tra gli anni Cinquanta e gli anni Ottanta, in questa particolare forma artistica, troppo spesso relegata ad un ambito specialistico. Inoltre, mettendo a confronto e in relazione tre personalità così singolari e significative, questa mostra vuole sottolineare l’importante contributo innovativo della loro opera alla creazione teatrale contemporanea.

Biglietto: 8 euro (normale), 4,5 euro (ridotto), 6 euro (abbonati Teatri di Roma)

Orario 11.00 - 19.00 chiuso il lunedì. Dal 27 gennaio al 2 aprile 2006.

Recital di canto 2005-2006 alla Scala

Violeta Urmana, soprano

Jan Philip Schulze, pianoforte

Teatro alla Scala, lunedì 9 gennaio 2005

Richard Wagner

Wesendonck Lieder nn.1-5

Sergej Rachmaninov

Kak mne bol’no op. 21 nr.3

Vocalise op.34 nr.14

Dissonans op.34 nr.13

Zdes’ khorosho op.21 nr.7

Vesennie vody op.14 nr.11

Richard Strauss

Die Georgine op.10 nr.4

Frühlingsgedränge op.26 nr.1

Wassenrose op.22 nr.4

Wir beide wollen springen WoO 90

Befreit op.39 nr.4

Zueignung op.10 nr.1

Schlechtes Wetter op.69 nr.5

Mit deinen blauen Augen op.56 nr.4

Frühlingsfeier op.56 nr.5

Quando Violeta Urmana entra in scena, l’accoglie un applauso prolungato e sentito. Il Teatro alla Scala è affollato, un lunedì, un concerto di canto, c’è da esserne felici. Durante le stagioni agli Arcimboldi, questo appuntamento – così caro a chi davvero ama la musica che si fa parola – è stato sospeso, e la Scala è tra i pochi teatri che offre, in parallelo alla stagione d’opere e balletti, un sontuoso parterre di artisti. Speriamo di poter tornar qui a farne cronaca, a serbarne memoria. E speriamo che Madame Gheorghiu, il 3 aprile, confermi la sua presenza.

Il programma scelto da Violeta Urmana ruota attorno a tre nomi: Wagner, Rachmaninov, Strauss. Il soprano lituano ha confidenza col primo. Una confidenza che l’ha vista vestire i panni di Kundry (Parsifal) e di Sieglinde (Die Walkure), di Isolde e, in disco, di brani dal Götterdämmerung. La voce, qui, obbedisce ad un respiro diverso. Sembra che la Urmana abbia fatto suo il concetto di schweben, e il canto si fa morbido, fluttuante per l’appunto. I cinque Wesendock-Lieder sono intrisi, nella sua interpretazione, di una malinconia greve; l’idiota di turno, dall’alto di un palco, urlerà alla fine “basta con questa tristezza!”, perchè, lo si ammetta, la tristezza è scomoda, invita a tener desta memoria antica, e questa stagione post-moderna che viviamo, o che crediamo di vivere quand’invece è mera sopravvivenza, inneggia all’idiozia felice, ai bacetti delle veline lanciate via etere, ai parties di furbetti e furboni, ai billionaire affollati di top-model e strisce di coca. A questo, a volte, serve una Liederabend; a riconciliarci con un mondo Altro, a trovare una nicchia, una bolla d’aria dove riprendere fiato.

La Urmana è cantante d’opera. Juan Diego Flòrez, alla rivista “Ritmo”, in una intervista, ebbe a dichiarare che “il cantante d’opera raramente è un buon cantante di lieder, poiché il cantante di opera tende ad espandere la voce in un teatro grande, e i liederisti cercano di concentrarla, di farla suonare più intima”. Non sempre vero (penso alla Ludwig, alla Baker, a Fischer-Dieskau, alla Schwarzkopf. Inevitabilmente). La Urmana trattiene, sfuma (ma non quanto sarebbe necessario), magari è anche colpa della tracheite di cui darà notizia solo a fine recital, ma arriva sempre sul bordo dell’interpretazione; in questi Wesendock-Lieder colpisce in primo luogo l’atmosfera oppressiva della serra che trasuda in Im Treibhaus, ma la voce – dal timbro sontuoso e bellissimo – fa come fatica a trovare gli accenti giusti, e cinque lieder finiscono quasi con l’assomigliarsi l’un l’altro. Si sfiora non la noia, ché sarebbe ingiusto, ma la delusione, quella sì.

E’ Rachmaninov che meglio rende giustizia alla voce di Violeta. Le romanze di Rachmaninov (ne ricordiamo una integrale in disco oggi di non facile reperimento firmata dalla Söderstrom e da Ashkenazi che rimane tra le cose più amate della mia discoteca) rimangono ancor oggi poco conosciute al pubblico italiano; e pure, sono parte importante della sua produzione, sin dagli esordi del 1890 quali pagine studentesche sino al 1916. Era il 1902, e Rachmaninov s’era appena ripreso dal disastroso esito della prima esecuzione della sua Sinfonia nr.1; torna alle sua amate romanze, con 12 Canti op.21, che profumano di un tempo felice, degli echi della sua luna di miele con Natalia Salina. E Zdes’ khorosho, la settima romanza della raccolta, è dedicata alla sua sposa. La Urmana, qui, e altrove in Rachmaninov, libera appieno la sua espressività, la voce finalmente riacquista il piacere della sua densità. Meno mi ha convinto il Vocalise op.34 nr.14, dove, sia pure con fiati lunghi e miracolosi, si richiede una levità ed una trasparenza che la Urmana non può inventarsi.

Strauss. Qualche perplessità la mantengo quando un soprano canta lieder pensati per voci maschili, e viceversa. Metti Wassenrose, per esempio. L’opera 22, Mädchenblumen, è composta nel 1888; i poemi, di Felix Dahn, docente all’Università di Monaco, cantano quattro fanciulle nei termini dei loro equivalenti botanici, e sono dedicati a Hans Giessen, tenore principale all’Opera di Weimar, dove Strauss all’epoca era direttore; e spesso il compositore lo accompagnava nei suoi recital (finendo regolarmente a giocare assieme a carte...).  “Ninfea, così chiamo l’agile bimba dai riccioli notturni, dalle alabastree guance”. Eccellente, qui, l’accompagnamento pianistico di Jan Philip Schulze.

Nel bpuquet (peraltro ben scelto) dei lieder straussiani, la Urmana svetta nei tre su testi di Heine provenienti dall’opus 69 (iSchlechtes Wetter) e dall’opus 56 (Mit deinen blauen Augen e Frühlingsfeier); ma la passione del secondo è priva del necessario lirismo, e nel primo certi gravi sfiorano l’ineleganza.

Il successo c’è, il carisma della Urmana è indubbio, le richieste di bis (e qualche squillo di telefonia mobile col quale pare – anche alla Scala – obbligatorio convivere...) si susseguono. E’ il Suicidio della Gioconda dai gravi corposi e dagli acuti luminosi a restituire l’anima vera della Urmana, e a far esplodere la sala. Peccato, dopo un programma così, tornare all’aria d’opera con accompagnamento pianistico. Il secondo bis conferma con il Vissi d’arte una Tosca potenzialmente interessante ma ancora tutta da costruire (almeno all’ascolto fiorentino di poco tempo fa). Terzo bis, Coplas de Curro dulce di Obradors, reso con morbidezza. Ancora un bis; la Urmana dichiara di non averne preparato altri, e ripropone, Zueignung di Strauss, ora – dopo questi generosi applausi – più calda e emozionante della prima volta.

In margine. Perchè nel programma di sala i testi di Rachmaninov sono presenti solo in traduzione italiana, e non con la loro traslitterazione dal cirillico ? C’è qualche ragione che lo impedisce ?

Non è difficile. Ecco il testo di Dissonans, tanto per fare un esempio...

Pust' po vole sudeb, ja rasstalas' s toboj,

 Pust' drugoj obladajet mojej krasotoj!

 Iz ob"jatij jego, iz nochnoj dukhoty

 Unoshus' ja daleko na kryl'jakh mechty.

 Vizhu snova nash staryj, zapushchennyj sad:

 Otrazhennyj v prude potukhajet zakat;

 Pakhnet lipovym cvetom v prokhlade allej,

 Za prudom, gde to v roshche, urchit solovej...

 Ja stekljannuju dver' otvorila, drozhu,

 Ja iz mraka v tajinstvennyj sumrak gljazhu...

 Chu! tam khrustnula vetka, ne ty li shagnul?!

 Vstrepenulasja ptichka, ne ty li spugnul?!

 Ja prislushivajus',

 Ja muchitel'no zhdu,

 Ja na shelest shagov tvojikh tikho idu,

 Kholodit moji chleny to strast', to ispug...

 `Eto ty menja za ruku vzjal, milyj drug?!

 `Eto ty ostorozhno tak obnjal menja!

 `Eto tvoj poceluj, poceluj bez ognja.

 S bol'ju v trepetnom serdce, s volnen'jem v krovi,

 Ty ne smejesh' otdat'sja bezumstvam ljubvi,

 I, vnimaja recham blagorodnym tvojim,

 Ja ne smeju dat' volju vlechen'jam svojim,

 I drozhu, i shepchu tebje:

 Milyj ty moj!

 Pust' vladejet on zhalkoj mojej krasotoj!

 Iz ob"jatij jego, iz nochnoj dukhoty

 Ja opjat' uletaju na kryl'jakh mechty

 V `etot sad, v `etu tem', vot na `etu skam'ju,

 Gde vpervyje podslushal ty dushu moju...

 Ja dushoju slivajus' s tvojeju dushoj,

 Pust' vladejet on zhalkoj mojej krasotoj!

Sergio Albertini (c) 2005

LE CONVENIENZE E LE INCONVENIENZE TEATRALI

di Gaetano Donizetti

Prima versione in 1 atto “Le convenienze teatrali”, 1827.
Seconda versione in 2 atti, 1831.

Personaggi: Corilla Scortichini (Daria) (S); Procolo Cornacchia (Bs); Agata Scannagalli (Bs); Luigia Scannagalli (S); Neocle Frescopane (Pippetto) (A); Guglielmo Antolstoinoloff (T); Biscroma Strappaviscere (Bs); Prospero Salsapariglia (Cesare) (Bs); Impresario (Bs); Ispettore (Sindaco) (Bs).

1963, Voce (live) versione 1831, revisione Vito Frazzi - Mariella Adani; Giorgio Tadeo; Renato Capecchi, Alberta Pellegrini Gonzales; Strefania Malagù; Herbert Handt; Paolo Montarsolo; Dino Mantovani; Paolo Pedani; Leonardo Monreale - Coro e Orchestra Angelicum Milano, dir. Bruno Rigacci.

1970, Raritas (live)  versione 1831 - Daniela Mazzucato; Giorgio Zancanaro; Anselmo Colzani; Marisa Salinbeni; Aracelly Hengel; Herbert Handt; Alessandro Maddalena; Ledo Freschi; Giovanni Antonini - Coro e Orchestra Gran Teatro La Fenice di Venezia, dir. Jesús López Cobos.

1972, Voce (live)  versione 1827 abbreviata e arrangiata col titolo Viva la mamma! - Lissa Gray; Peter Lyon; Michael Aspinall; Rosemay Williams; Sylvia Eaves; Noel Drennan; Wyndham Parfitt; William Bradley; Paschal Allen - Mary Hill

1978, Bella Voce (live) versione 1831 - Daniela Mazzucato; Alberto Rinaldi; Giuseppe Taddei; Alberta Valentini; Laura Zanini; Sergio Tedesco; Federico Davià; Alfredo Giacomotti; Leo Nucci; Leonardo Monreale - Coro Opera Stato e Orchestra Sinfonica Vienna, dir. Carlo Franci.

1981, Ars Nova, poi Sarx (live) versione 1831 - Daniela Dessì; Franco Sioli; Simone Alaimo; Lauretta Perasso, Guglielmo Gazzani; William Matteuzzi; Giuseppe Lamazza; Armando Ariostini - Coro Teatro Opera giocosa Genova e Orchestra Sinfonica Estense, dir. Antonello Allemandi.

1990, Bongiovanni (live) versione 1827 - Maria Ángeles Peters; Roberto Scaltriti; Domenico Trimarchi; Susanna Rigacci; Adriana Cicogna; Sergio Tedesco; Vito Maria Brunetti; Paolo Maria Orecchia; Gastone Sarti; Fabrizio Marciantelli - Coro Teatro comunale “Rossini” Lugo e Orchestra Sinfonica Emilia-Romagna “Arturo Toscanini”, dir. Bruno Rigacci.

1995, Ricordi (live) versione 1827 - Maria Costanza Nocentini; Alberto Noli; Bruno De Simone; Cristina Rubin; Elisabetta Andreani; Bruno Lazzaretti, Mauro Utzeri. Coro Teatro “Donizetti” Bergamo e Orchestra  Pomeriggi musicali Milano, dir. Fabrizio Maria Carminati.

2000, Kicco (live) versione 1831 - Luciana Serra; Maurizio Leoni; Andrea Concetti; Sabrina Vitali, Daniela Ciliberti; Javor Torolov; Enrico Marabelli; Davide Rocca, Giuseppe Nicodemo; Massimo Rossetti - Corale Poliziana e Orchestra Royal Northern College of Music di  Manchester, dir. Enrique Mazzola.

Mercoledì 18 gennaio 2006, alle ore 20.30,  il Teatro dell'Opera di Roma inaugura la Stagione 2006 con l'opera Don Giovanni di Wolfgang Amadeus Mozart, in occasione delle celebrazioni per il 250mo della nascita del compositore.
Il capolavoro mozartiano viene presentato in una prestigiosa edizione, che segna il ritorno per la regia e le scene di Franco Zeffirelli ed il debutto del direttore olandese Hubert Soudant sul podio del Teatro della Capitale, i costumi sono di Anna Anni.
Grande attesa per l'allestimento del Teatro dell'Opera dal Metropolitan di New York, concertato con “il Met” per riportare in Italia un importante patrimonio del paese e renderlo nuovamente proprietà viva ed operativa della nostra produzione lirica.
Zeffirelli lo firmò nel 1990, in occasione della apertura della Stagione del Metropolitan, in un'edizione divenuta storica e che ne decretò il definitivo trionfo sulle scene newyorkesi.
Di spessore internazionale gli interpreti. Alla serata inaugurale saranno Marco Vinco quale Don Giovanni, Mariella Devia Donna Anna, Darina Takova Donna Elvira, Raul Giménez Don Ottavio, Alessandro Corbelli Leporello, Laura Cherici Zerlina, Commendatore Alessandro Guerzoni, Masetto Gianpiero Ruggeri.
Si alterneranno con Paolo Coni Don Giovanni (20, 22, 24/1), Anna Rita Taliento Donna Anna (19, 21, 24/1), Rossella Ragatzu Donna Elvira (20/1), Juan Francisco Gatell Don Ottavio (19, 21/1), Alex Esposito Leporello (19, 21, 24/1), Alessandra Marianelli Zerlina (19, 20, 24/1), Masetto Gianluca Secci (22, 24/1).
Orchestra, Coro e Corpo di Ballo del Teatro dell'Opera (Maestro del Coro Andrea Giorgi), coreografie di Luigi Martelletta, disegno luci Bruno Monopoli.

Nella storia del Costanzi, dalla “prima” del 19 giugno 1886 diretta da Franco Faccio ad oggi, il Don Giovanni compare complessivamente in otto stagioni. L'edizione più recente è del 2002, con la direzione di Gianluigi Gelmetti, la regia di Gigi Proietti, le scene e costumi di Quirino Conti: ottenne uno straordinario successo nella stagione, prima in Teatro in giugno e poi a distanza di un mese, nella ripresa a Piazza del Popolo, in collaborazione con il Comune di Roma alla presenza di oltre centomila  spettatori.
Tra le esecuzioni memorabili si segnalano quella diretta da Karl Böhm nella stagione 1947/48, e quella della stagione 53-54, con Herbert Von Karajan, interpretata, tra gli altri, da Elisabeth Schwarzkopf, Nicolai Gedda, Sesto Bruscantini e Rolando Panerai.  
La serata inaugurale del 18 gennaio sarà trasmessa in diretta radiofonica nazionale da RaiRadio3 ed è stata richiesta dalle più importanti Radio Nazionali del mondo, nell'ambito del circuito delle prime dei massimi Teatri, dal Covent Garden di Londra al Metropolitan di New York al Teatro alla Scala di Milano.

Prima rappresentazione: mercoledì 18 gennaio, ore 20.30 (turno A) Repliche: giovedì 19 gennaio, 20.30 (turno B); venerdì 20 gennaio, 20.30 (turno C); sabato 21 gennaio, ore 18.00 (turno D); domenica 22 gennaio, ore16.30 (turno E); martedì 24 gennaio, ore 20.30 (fuori abb.)

Prezzi dei biglietti: da € 17,00 a € 130,00

Per informazioni tel. 06481601
Biglietteria: Piazza Beniamino Gigli n.1, tel. 064817003 - fax 064881755

Apertura dal martedì al sabato dalle 9 alle 17, domenica dalle 9 alle 13.30, sempre aperta da un'ora prima di ogni spettacolo nel Teatro ove viene effettuata la rappresentazione; CRAL, Associazioni culturali e aventi diritto (minimo 10 persone): riduzione 25%; Anziani oltre i 65 anni, Giovani fino a 25 anni e Studenti 50%.Sono escluse da tali riduzioni le prime e i posti in balconata e in galleria al Teatro dell'Opera. Informazioni: tel. 064817517 – fax 06 48160219

La vendita dei biglietti avviene presso tutti gli usuali punti di prevendita
Prevendite telefoniche con carta di credito HELLO TICKET numero verde 800907080 – tel. 068088352;

L'Ufficio Stampa

Domenica 15 gennaio, alle ore 20.30, ritorna sul palcoscenico del Teatro Comunale di Bologna il capolavoro di Umberto Giordano, Andrea Chénier, nell’allestimento firmato da Giancarlo del Monaco, qui regista, scenografo e costumista e che tanto successo ha avuto nella Stagione bolognese 2003-2004 e al Massimo di Palermo con il quale è stato coprodotto. Sul podio dell’Orchestra e del Coro del Teatro salirà il Direttore Ospite Principale, il M.o Carlo Rizzi. Protagonista un tris d’assi come quello formato da José Cura, Maria Guleghina e Carlo Guelfi.
Dramma storico in quattro quadri su libretto di Luigi Illica, Andrea Chénier andò in scena per la prima volta al Teatro alla Scala di Milano nel 1896, con un successo strepitoso.
Il soggetto, ispirato a un personaggio realmente esistito, Andrea Chénier – poeta francese che, dopo aver salutato con entusiasmo la Rivoluzione ne condannò gli eccessi, tanto da venir considerato un pericoloso avversario politico ed essere giustiziato nel 1794, sotto il regime del Terrore – era così complesso e di difficile risoluzione, da rendere titubanti sul suo esito sia l’editore che l’impresario. Furono la tenacia e l’intuizione di Pietro Mascagni ad imporlo in cartellone alla Scala e a smentire le fosche previsioni che circondavano questo debutto. In realtà, lo spirito popolaresco e le fosche tinte del dramma ben si adattavano al temperamento sanguigno del pugliese Giordano, che ne trasse un quadro di rara efficacia, scandita da una forte vena melodica. Il successo fu immediato, tanto che quello stesso anno l’opera approdò a New York e ben presto entrò nel repertorio dei più importanti teatri europei ed americani.
Per questa messa in scena dello Chénier, composizione particolarmente difficile per la convivenza antitetica tra il verismo e il “rococò”, dove alla scia cruenta della Rivoluzione francese si intreccia una delicata storia d’amore, del Monaco ha trovato la principale ispirazione in un quadro di Burri, in cui la lacerazione della tela simboleggia, nella sua essenzialità, la ferita della viva carne e la sofferenza dello spirito.
Accanto ai protagonisti Guleghina (Maddalena di Coigny), Cura (Andrea Chénier), e Guelfi (Carlo Gérard), troviamo Giacinta Nicotra (La mulatta Bersi), Cinzia de Mola (Contessa di Coigny), Annie Vavrille (Madelon) e Carlo Cigni (Roucher). Completano il cast Armando Ariostini, Giuseppe Guidi, Mario Bellanova, Pierre Lefebvre, Stefano Pisani, Atfeh Ziyan, Mauro Marchetto, Michele Castagnaro. Maestro del Coro Marcel Seminara

L’opera verrà trasmessa in diretta da Rai Radio 3.

Repliche: 17, 18, 19, 21, 22 gennaio.
Nei giorni 18 e 21 gennaio i ruoli dei protagonisti saranno sostenuti da Carlo Ventre, Elmira Veda e Ko Seng Hyoun.

La stagione operistica  2006 al Teatro Verdi di Trieste  si inaugura domenica  15 gennaio alle ore 20.30 con la prima rappresentazione di Bohème  diretta dal M° Daniel Oren.  Lavoro tra i più popolari ed amati di Giacomo Puccini e “capolavoro di umorismo e commozione” -- come l’amava definire l’autore stesso nei suoi Carteggi -  l’opera ben evidenzia, la straordinaria mescolanza tra la giovanile spensieratezza bohèmienne dei personaggi sulla scena,  in cui si riconoscono i tipi umani e l’ambiente intellettuale ed estroverso della Parigi del 1830  e la vicenda lirico passionale   che si consuma in tragedia  di Mimì, la figura femminile più tenera  fra tutte le protagoniste pucciniane. Rappresentata per la prima volta al Teatro Regio di Torino l’1 febbario 1896  con la direzione di Arturo Toscanini, La Boheme approdò al Teatro Verdi di Trieste tre anni dopo, diretta da Rodolfo Ferrari  con Rosina Storchio nel ruolo protagonista e con il tenore Pietro Zeni in quello di Rodolfo. Da allora le edizioni che si sono susseguite sul palcoscenico del teatro lirico triestino sono state 17  inclusa la più recente, del 2001. Ma il lungo intervallo di  ventisei anni che intercorre tra la prima del 1899 e la seconda edizione dimostra come a Trieste le fortune di Bohème furono inizialmente contrastate, come per tutte le opere della Giovane scuola.

Maestro concertatore e direttore di questa edizione è uno dei maggiori interpreti pucciniani,  Daniel Oren a cui l’opera risulta particolarmente congeniale per le diffuse sonorità orchestrali e per l’intimismo lirico ed espressivo di alcune  pagine indimenticabili. L’ allestimento dell’Opera di Nizza in chiave contemporanea si avvale della  regia di Daniel Benoin che ne cura anche il disegno luci con le scene ed i costumi di Jean Pierre La Porte. Al suo debutto sul palcoscenico triestino, Daniel Benoin vanta come attore e come regista, soprattutto nel campo della prosa ma anche in campo operistico, una lunga esperienza teatrale che è recentemente approdata alla direzione del Teatro di Nizza.

Eccellente cast vocale, in cui spicca una grande Mimì, interpretata da Fiorenza Cedolins, soprano al momento indiscutibilmente tra i più prestigiosi al mondo e  con cui Oren quest’estate ha  condiviso il  successo di  tante serate all’Arena di Verona. Fiorenza Cedolins grande interprete di questo ruolo per straordinaria sensibilità e fraseggio, si alternerà con  Latonia Moore  che il pubblico triestino ha recentemente potuto apprezzare nell’interpretazione dellla Messa da Requiem di Verdi e nel commovente ed ispirato ruolo della tenera Liù in Turandot, l’opera che ha inaugurato la stagione lirica 2005-2006 del Teatro Verdi. Il ruolo di Rodolfo sarà interpretato dal tenore Francesco Hong, anch’egli applaudito in Turandot, in alternanza con il tenore statunitense James Valenti già apprezzato per capacità interpretative e vocali in “Faust” di Gounod nel corso della stagione lirica 2004-2005.  Nel ruolo di Musetta  saranno impegnate Ainhoa Arteta, artista dalla carriera internazionale originaria di Tolosa al suo debutto a Trieste e Donata D’Annunzio Lombardi la cui più recente apparizione al “Verdi” risale al Festival dell’Operetta 2003   nella Duchessa di Chicago di Imre Kàlmàn. Josè Fardilha, affermato baritono portoghese  interpreta il ruolo di Schaunard mentre Luca Grassi in alternanza con Marco Cassi quello di Marcello. Completano il cast Mirco palazzi nel ruolo di Colline, Angelo Nardinocchi in quello di Benoi e di Alcindoro e ancoa Dax Velenic e Massimo Marsi, Giuliano Pelizon e Giovanni Palumbo.  Nella produzione, accanto all’orchestra ed al Coro istruito dal M° Lorenzo Fratini, sarà impegnato anche il Coro dei Piccoli cantori della città di Trieste diretti da Maria Susowski.  L’opera è  in cartellone al “Verdi” di Trieste il 15, 22, 23, 26, 27, 29, 31 gennaio e al “Verdi” di Pordenone il 4 e 5 febbraio 2006. Durante le rappresentazioni di Bohème sarà visitabile la  rassegna curata dal Museo Teatrale “Carlo Schmidl” che presenta la collezione storica dei manifesti delle edizioni passate dell’opera assieme ad altri documenti e foto di  artisti ed interpreti pucciniani. Una sezione della mostra sarà dedicata agli allestimenti pucciniani curati dalla famiglia Bertoja, scenografi pordenonesi, per il Teatro “Verdi” di Trieste  con presentazione di alcuni bozzetti costruttivi delle scene  e di costumi originali d’epoca. Venerdì 13 gennaio alle ore 18 nella Sala del Ridotto del Teatro Verdi di Trieste si terrà la prolusione all’opera La Bohème a cura di Rino Alessi. All’incontro,  durante il quale sarà possibile ascoltare anche brani da incisioni di interpreti famosi, parteciperanno il regista che esporrà la sua visione scenica dello spettacolo e il soprano Fiorenza Cedolins. L’ingresso è libero.

Con la prima delle tre giornate della Tetralogia, Die Walküre, Teatro La Fenice 25 gennaio ore 18,00 , repliche 28, 31 gennaio, 2, 5, 7 febbraio 2006, La Fenice inizia l’esecuzione del ciclo completo dell’Anello del Nibelungo, che con gli stessi protagonisti, Jeffrey Tate direttore, Robert Carsen regista, proseguirà negli anni futuri in una coproduzione con il Teatro dell’Opera di Stato di Colonia. Una produzione di Robert Carsen e Patrick Kinmonth. Scene costumi Patrick Kinmonth; drammaturgia Ian Burton. Interpreti principali: Christopher Ventris, Siegmund; Kristinn Sigmundsson, Hunding; Greer Grimsley, Wotan; Petra Lang, Sieglinde; Janice Baird, Brünnhilde; Doris Soffel, Fricka. Si tratta della prima tappa di una coproduzione con il Teatro di Colonia che vedrà la realizzazione di tutto il Ring, per la regia di Robert Carsen. Una coproduzione con l’Oper der Stadt Köln. Orchestra del Teatro La Fenice.

Die Walküre è la prima delle tre «giornate» che, insieme al prologo Das Rheingold, Siegfried (Sigfrido) e Götterdämmerung (Il Crepuscolo degli dèi) compone il Ring, che venne in verità concepito da Wagner a ritroso: partendo dall’ultima «giornata» e da essa risalendo fino al prologo. La prima idea ad affacciarsi nella sua mente era stata infatti quella, maturata nel 1848, del dramma Siegfrieds Tod (Morte di Sigfrido, più tardi divenuto Die Götterdämmerung).

Mosso dal desiderio di rendere maggiormente intelligibili i nessi drammatici che conducono all’epilogo della morte dell’eroe, Wagner fu ben presto consapevole (nel 1851) che, di antecedente in antecedente, il dramma sarebbe dovuto pervenire alla definitiva articolazione quadripartita, muovendo dall’antefatto decisivo rappresentato nella prima scena del Rheingold: il furto dell’oro perpetrato da Alberich a danno delle Rheintöchter (le tre Figlie del Reno), che innesca la lunga catena dei fatti e dei conflitti, conducendo, col rogo conclusivo, all’estinzione delle stirpi divine ed eroiche.

Pur attingendo ad un vastissimo repertorio di fonti della mitologia nordica, Wagner attese alla composizione poetica della Tetralogia in tempi piuttosto ridotti, portandola a termine nel 1853; Die Walküre lo tenne occupato fra il novembre 1851 ed il luglio 1852. Analogamente a Das Rheingold, Die Walküre in un certo senso ha avuto due prime: contro il desiderio di Wagner, che voleva attendere il completamento dell’intero Ring prima di pensare alla sua esecuzione, Ludwig ii (il re di Baviera che tanto ruolo ebbe nella parte conclusiva della sua vita) ne ordinò la rappresentazione al Königliches Hof- und Nationaltheater il 26 giugno 1870. La prima dell’intera Tetralogia (quella approvata dall’autore) avvenne invece fra il 13 ed il 17 agosto 1876 (Die Walküre il 14), sotto la guida del direttore Hans Richter, al Festspielhaus di Bayreuth: il teatro edificato ad esclusivo appannaggio delle creazioni drammatiche wagneriane. Die Walküre, che dell’intero Ring è con ogni probabilità il dramma musicale più amato dal pubblico – e di certo il più rappresentato dai teatri musicali – ne rappresenta il cuore, il nucleo drammatico centrale: raffigurando il tempo in cui si consumano i fatti decisivi del dramma cosmico, essa inscena lo snodo cruciale di una vicenda rispetto alla quale Das Rheingold venne rubricato da Wagner come semplice «vigilia», mentre il complesso degli accadimenti inscenati nelle due «giornate» successive ne illustra le conseguenze. In parte Wagner vi attese in un periodo dedicato alla lettura della Commedia dantesca, i cui paesaggi infernali influirono sulla concezione della scenografia selvatica e maestosa del secondo atto, ma la cui valenza simbolica si può considerare oltrepassi di gran lunga la semplice dimensione della visualità: nella Walküre il tormento del paesaggio è tutt’uno con quello, interiore, che coinvolge tutti i personaggi del dramma. L’ultima rappresentazione a Venezia risale al 1976.

Ascanio in Alba

dii W.A.Mozart

Personaggi: Venere, Ascanio, Silvia, Aceste, Fauno

La Stagione Lirica 2006 del Teatro Massimo Bellini sarà inaugurata martedì prossimo, 17 gennaio 2006 alle ore 20,30, con la prima de I Cavalieri di Ekebù, opera in quattro atti del compositore trentino Riccardo Zandonai (1883-1944) su libretto di Arturo Rossato tratto dal romanzo La leggenda di Gösta Berling (1891) del premio Nobel 1909 per la letteratura Selma Lagerlöf. Si tratta di una vera e propria rarità, e non solo per Catania.
Dopo il debutto, seguiranno altre sei recite: il 19 alle 20,30 (turno B), il 21 alle ore 17,30 (turno S1), il 22 alle ore 17,30 (turno D), il 24 alle ore 17,30 (turno R), il 29 alle ore 17,30 (turno D) e il 31 gennaio alle ore 17,30 (turno S2).
Sul podio, per dirigere l’orchestra del Teatro Massimo Bellini, salirà il maestro Daniele Callegari. La regia è firmata da Federico Tiezzi, le scene sono di Pier Paolo Bisleri, i costumi di Giovanna Buzzi. Il Coro come sempre sarà diretto da Tiziana Carlini.
L’opera, una coproduzione del “Bellini” con la Fondazione Teatro lirico Giuseppe Verdi di Trieste, verrà proposta con i sopratitoli nonostante sia in lingua italiana. Due compagnie di canto si alterneranno nelle sette recite: il ruolo di Giosta Berling sarà ricoperto da Dario Volontè e Kostyantyn Andreyev (recite del 21 e 31 gennaio); quello della Comandante da Luciana D’Intino e M. Nunzia Menna (21 e 31); Anna saranno Patrizia Orciani e Doriana Milazzo (21 e 31); Sintram saranno Mario Luperi e Riccardo Ferrari (21 e 31); Cristiano sarà impersonato da Carmelo Caruso e Carlo Kang (21 e 31); Samzelius da Michele Bianchini e Alberto Tomarchio (il 31 gennaio); Liecrona da Mauro Buffoli e Enrico Facini (21 e 31); Un’ostessa, Gabriella Bosco e Francesca Aparo (il 31); Una fanciulla, Patrizia Gentile e Maria Cocimano (il 31); Un cavaliere, Salvatore Todaro e Emilio Strazzeri (il 19, il 22 e il 29 gennaio); in scena anche il violinista Alessandro Cortese.
I Cavalierei di Ekebù fu rappresentata per la prima volta nel Teatro alla Scala, il 7 marzo 1925, direttore Arturo Toscanini, anche se il compositore la rimaneggerà e la versione definitiva risale al 1929 quando fu data a Pesaro, città d’adozione di Zandonai che lì fu allievo di Mascagni. Scritta anche sull’onda del successo di un film uscito l’anno prima con il medesimo titolo del romanzo della Lagerlöf e con Greta Garbo protagonista, l’opera ha avuto alterne fortune e ha avuto una vera riscoperta nel 1983 quando Gianandrea Gavazzeni la portò sul palco di Rovereto in occasione del centenario della nascita di Zandonai, realizzandone anche l’unica incisione esistente. A Catania l’opera è stata rappresentata solo nella stagione lirica del 1953 (16 aprile) ma anche nel resto d’Italia conta pochissime apparizioni perché gli viene preferita la più nota Francesca da Rimini che anche il “Bellini” ha in passato proposta al proprio pubblico. Sarà dunque un’interessante scoperta per buona parte del pubblico catanese che solo il mese scorso aveva potuto apprezzare un’altra rarità, Jenufa di Leos Janacek, titolo di chiusura della Stagione Lirica 2005.
Ambientata nella fredda Svezia dell’Ottocento, I Cavalieri di Ekebù riflette gli studi fatti da Riccardo Zandonai sulle raccolte di canti popolari svedesi e rappresenta “un passaggio, quasi araldico, di consegne tra verismo ed espressionismo”, per utilizzare la definizione del regista Federico Tiezzi. La vicenda ruota attorno a due personaggi, la Comandante, una donna dal forte temperamento alla guida di una ferriera dove lavorano i Cavalieri, uomini sbandati che lei cerca di riportare sulla retta via; e Giosta, uno spretato alcolizzato che la Comandante salva dal suicidio facendogli riscoprire il suo amore per Anna. Di grande rilievo è il ruolo del coro e quello della stessa orchestra, impegnata anche in numerosi e difficili “a solo” degli strumenti.
Durante la serata della prima uno sponsor, le Profumerie Sicurella, offrirà degli omaggi alle spettatrici.
Chiusa lo scorso 23 dicembre la prelazione per i vecchi abbonati, dallo scorso 3 gennaio sono in vendita i nuovi abbonamenti per la Stagione lirica 2006 che, dopo I Cavalieri di Ekebù, ha in cartellone altri sei appuntamenti: La Gioconda di Amilcare Ponchielli; La Cenerentola di Gioachino Rossini; Don Giovanni di Wolfgang Amadeus Mozart; Hänsel und Gretel di Engelbert Humperdinck; i balletti Amleto su musiche di Dmitri Shostakovich, e Cenerentola, di Sergej Prokofiev. Il botteghino è aperto tutti i giorni feriali dalle 9,30 alle 12,30 e, dal martedi al venerdi, anche al pomeriggio, dalle 17 alle 19.

Storia d’amore e di vendetta, Roberto Devereux di Gaetano Donizetti è il terzo titolo della Stagione Lirica di Ancona. Un’opera che dopo i recenti tagli della Finanziaria alla Cultura andrà in scena in forma di concerto (quindi senza scene né costumi) ma con un cast musicale di assoluto rilievo. In un momento di grave crisi per l’intero mondo dello spettacolo italiano, il Teatro delle Muse riesce comunque ad assicurare al suo pubblico un’opera nella sua essenza musicale. 

Roberto Devereux, capolavoro del repertorio belcantistico, è un autentico banco di prova per l’interprete principale, a  cui il compositore regala una vocalità impervia e virtuosistica che si contrappone alla tragicità di un personaggio e di una  vicenda che,  calati  in un contesto drammaturgico straordinario, fanno sì che l’espressività  sia  al centro di una costante tensione narrativa. L’occasione al Teatro delle Muse si segnala per il debutto in uno dei ruoli più temibili affrontati dalle grandi primedonne (dalla Gencer alla Caballé, dalla Sills alla Gruberova) di un soprano di punta del momento,  l’ellenica Dimitra Theodossiou, che con questa inedita raffigurazione della regina Elisabetta I darà prova della sua eccezionale versatilità di cantante e d’interprete. “Un ruolo ricco di sentimenti. Vocalmente ancor più difficile di Anna Bolena, ma - dichiara il soprano lirico di coloratura drammatica, -  sono questi i ruoli che preferisco perché danno espressione a quella grinta che mi ha permesso di interpretare Attila con successo. In più, debuttare il Roberto Devereux con il Maestro Campanella è un’autentica fortuna perché è un esperto riconosciuto del belcanto e perché, cosa rara, riesce ad adattare la partitura alla voce del cantante ” Ma di prestigio è tutta la compagnia con la quale il soprano greco ha già cantato: uno dei nostri migliori baritoni, Roberto Frontali (Duca di Nottingham), l’interessantissimo tenore emergente Massimiliano Pisapia (Devereux), il suggestivo mezzosoprano argentino Nidia Palacios (Sara), il tenore Piero Picone (Lord Cecil), il basso fabrianese Ezio Maria Tisi (Sir Gualtiero). Come già detto, l’opera donizettiana è affidata alla bacchetta ideale del direttore che più d’ogni altro si è imposto nel repertorio, Bruno Campanella, alla guida dell’Orchestra Filarmonica Marchigiana, del Coro Lirico “V. Bellini” e dei cantanti. .

L'azione del Roberto Devereux si svolge nel XVI secolo a Londra. La regina Elisabetta ama il conte Devereux e rifiuta di condannarlo come traditore. Roberto si reca di notte nella stanza di Sara, moglie del duca di Nottingham. In pegno d'amore le dona l'anello che Elisabetta gli aveva regalato e lei, in cambio, gli consegna la sua sciarpa ricamata (atto I).

La regina accusa Roberto di tradimento, mostrando al duca di Nottingham la sciarpa ricamata che Sir Gultiero Raleigh gli ha sottratto. Il duca, riconosciuta la sciarpa della moglie, chiede di sfidarlo a duello. Roberto è arrestato, condannato a morte e rinchiuso nella torre di Londra (atto II).

Roberto supplica Sara di riportare ad Elisabetta l'anello. Sara obbedisce, la regina ordina di liberarlo, ma è troppo tardi. Un colpo di cannone annuncia l'avvenuta condanna capitale. Il duca di Nottingham confessa d'aver ritardato apposta l'arrivo della moglie ed Elisabetta furente li fa rinchiudere entrambi. Ossessionata dal fantasma di Roberto abdica infine a favore di Giacomo I (atto III).

I biglietti sono in vendita presso il botteghino del Teatro, presso le filiali UniCredit e on line (www.teatrodellemuse.org)..

La “prima” sarà preceduta dalla Guida all’opera a cura di Giancarlo Landini (domenica 15 gennaio ore 11 al Ridotto del teatro)

Roberto Alagna avrebbe dovuto debuttare come Des Grieux nella nuova produzione del Teatro Regio di Torino del capolavoro di Puccini Manon Lescaut, firmato per la regia da Jean Reno. Il tenore, pur debilitato da diversi giorni per seri problemi di salute – che l’avevano già costretto ad annullare il gala concert di Capodanno a Parigi –, non ha voluto mancare alle prove dell’opera finché, nella giornata di ieri, ha accusato un malore in palcoscenico e ha dovuto lasciare il Teatro.

Il Regio ringrazia Roberto Alagna per l’impegno e la dedizione profusi e gli augura una pronta guarigione.

Per la prima rappresentazione di martedì 17 Antonello Palombi ha gentilmente accettato di sostituire Roberto Alagna nei panni di Des Grieux accanto a Svetla Vassileva, nel ruolo del titolo. Il Teatro è però costretto ad annullare la recita di venerdì 20 non essendoci le condizioni per completare la distribuzione degli interpreti.

I possessori di biglietto o di abbonamento potranno rivolgersi alla Biglietteria del Teatro dal 21 gennaio al 4 febbraio per chiedere il rimborso o lo spostamento su altra recita, anche su quelle olimpiche del mese di febbraio, compatibilmente con i posti disponibili. Per le recite olimpiche non verrà richiesta la prevista differenza di prezzo.

Per le relative informazioni di biglietteria: Biglietteria del Teatro Regio, Piazza Castello 215 - Tel. 011.8815.241/242 - biglietteria@teatroregio.torino.it - sito internet www.teatroregio.torino.it

Torino, 11 Gennaio 2006

         Paola Giunti

         Capo Ufficio Stampa

Stoccolma, 11 gen. (Adnkronos) - La cantante lirica svedese Birgit Nilsson, leggendaria soprano che deve la sua fama alle opere di Richard Wagner è morta all'età di 87 anni a Stoccolma. La notizia della scomparsa si è appresa a funerali avvenuti, celebrati nella sua cittadina natale di Vastra Karup. Nilsson è considerata la più grande interprete wagneriana del secondo dopoguerra. Il celebre soprano ha interpretato tutte le principali opere del compositore tedesco nei maggiori teatri del mondo. Tra gli altri, al Metropolitan Opera di New York, al Teatro dell'Opera di Vienna e al Teatro della Scala di Milano.

Birgit Nilsson era particolarmente versata, con la sua prodigiosa voce, per interpretare il ruolo di Isolde nel 'Tristano': memorabile resta la sua esibizione del 1959 a New York. Ha poi interpretato per molti anni il ruolo di Brunilde nel ciclo del 'Ring' di Wagner. Celeberrimi anche i suoi duetti con il tenore Franco Corelli nella 'Turandot' di Puccini. Nilsson ha interpretato anche opere liriche di Richard Strauss e numerose opere di Puccini.

Uno dei suoi più grandi successi è stata proprio l'eroina della 'Turandot', che ha portato in scena alla Scala di Milano, al San Carlo di Napoli, alla Fenice di Venezia, al Teatro del Maggio di Firenze, al Teatro dell'Opera di Roma, a Monaco di Baviera, a Zurigo, Lisbona, Barcellona e Parigi.

Negli anni '60 è stata più volte ospite delle stagioni di concerto dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Con l'orchestra e il coro dell'Accademia ha inciso per la Decca la Tosca di Puccini (1966) diretta da Lorin Maazel con Franco Corelli e Dietrich Fisher-Dieskau, Il Ballo in Maschera di Verdi (1960) diretta da Georg Solti con Carlo Bergonzi e Giulietta Simionato e il Macbeth di Verdi (1964) diretto da Thomas Schippers con Giuseppe Taddei.
Stoccolma, 11 gen. (Adnkronos) - La cantante lirica svedese Birgit Nilsson, leggendaria soprano che deve la sua fama alle opere di Richard Wagner è morta all'età di 87 anni a Stoccolma. La notizia della scomparsa si è appresa a funerali avvenuti, celebrati nella sua cittadina natale di Vastra Karup. Nilsson è considerata la più grande interprete wagneriana del secondo dopoguerra. Il celebre soprano ha interpretato tutte le principali opere del compositore tedesco nei maggiori teatri del mondo. Tra gli altri, al Metropolitan Opera di New York, al Teatro dell'Opera di Vienna e al Teatro della Scala di Milano.

Birgit Nilsson era particolarmente versata, con la sua prodigiosa voce, per interpretare il ruolo di Isolde nel 'Tristano': memorabile resta la sua esibizione del 1959 a New York. Ha poi interpretato per molti anni il ruolo di Brunilde nel ciclo del 'Ring' di Wagner. Celeberrimi anche i suoi duetti con il tenore Franco Corelli nella 'Turandot' di Puccini. Nilsson ha interpretato anche opere liriche di Richard Strauss e numerose opere di Puccini.

Uno dei suoi più grandi successi è stata proprio l'eroina della 'Turandot', che ha portato in scena alla Scala di Milano, al San Carlo di Napoli, alla Fenice di Venezia, al Teatro del Maggio di Firenze, al Teatro dell'Opera di Roma, a Monaco di Baviera, a Zurigo, Lisbona, Barcellona e Parigi.

Negli anni '60 è stata più volte ospite delle stagioni di concerto dell'Accademia Nazionale di Santa Cecilia. Con l'orchestra e il coro dell'Accademia ha inciso per la Decca la Tosca di Puccini (1966) diretta da Lorin Maazel con Franco Corelli e Dietrich Fisher-Dieskau, Il Ballo in Maschera di Verdi (1960) diretta da Georg Solti con Carlo Bergonzi e Giulietta Simionato e il Macbeth di Verdi (1964) diretto da Thomas Schippers con Giuseppe Taddei.

1964. Una radiosa Renata Tebaldi sul balcone della sua casa di Piazza Garibaldi a Langhirano tiene in braccio l’inseparabile barboncino New. Sullo sfondo, la torre dell’orologio.

Renata Tebaldi era  una langhiranese. Nata a Pesaro perché la sua famiglia vi si era temporaneamente trasferita, era ritornata a Langhirano dopo tre mesi e vi è rimasta fino quandola sua voce unica non l’ha portata lontano a raccogliere applausi in ogni parte del mondo, ovunque ci fossero appassionati di musica. A Langhirano, tuttavia, è a lungo rimasta la persona a lei più cara, la madre, e anche molti ricordi. E sbaglierebbe chi pensasse che questi ricordi si fossero affievoliti con il trascorrere del tempo. In realtà il legame con il “suo” paese Renata lo ha coltivato con discrezione, com’era nel suo carattere.
In una lunga intervista radiofonica della fine degli anni sessanta rievocò l’infanzia langhiranese con estrema dovizia di particolari, arricchendo il racconto con espressioni dialettali – e chi ha avuto la fortuna di frequentarla sa bene che in presenza di compaesani il buon vecchio dialetto le tornava spontaneamente sulla punta della lingua.

Se un giorno qualcuno avesse la pazienza di trascrivere quell’intervista e trarne un volumetto ci si troverebbe tra le mani, oltre che una testimonianza artistica preziosa, anche un ritratto vivace della vita quotidiana di un piccolo paese dell’Emilia degli anni Venti e Trenta del Novecento. La Tebaldi, che tornava a Langhirano con discrezione, senza fare rumore e senza sentire il bisogno di gridarlo ai quattro venti per raccogliere approvazioni, con la stessa discrezione si è ricordata nel testamento di alcune istituzioni benefiche del paese, nel quale ora riposa accanto alla madre.
Ora, a un anno dalla morte, il Comune di Langhirano, l’Associazione Culturale Accademia degli Incogniti e la Pro Loco di Langhirano le hanno dedicato una piccola mostra che ha però uno scopo preciso e importante, quello di mantenere vivo il filo che lega Renata Tebaldi e Langhirano.

Il Turco in Italia

Dramma buffo in due atti di Gioachino Rossini (1792-1868)
libretto di Felice Romani, dal libretto di Caterino Mazzolà Il Turco in Italia, messo in musica da Franz Seydelmann (Dresda 1788)
Prima: Milano, Teatro alla Scala, 14 agosto 1814

Personaggi ed interpreti:

Selim – Michele Pertusi

Donna Fiorilla – Eva Mei

Don Geronio – Alfonso Antoniozzi

Don Narciso – Mark Milhofer

Prosdocimo – Alfonso Antoniozzi

Zaida – Silvia Gavarotti

Albazar – Luigi Petroni

Orchestra e Coro del Teatro Regio di Torino

Corrado Rovaris, Maestro concertatore e direttore d’orchestra

Claudio Marino Moretti, Maestro del coro

Giannandrea Agnoletto, Maestro al fortepiano

Antonio Calenda, regia

Nicola Rubertelli, scene

Maurizio Millenotti, costumi

Aurelio Gatti, coreografia

Ivo Guerra, assistente alla regia

Allestimento del Teatro Comunale di Bologna

Teatro Regio di Torino, 11 dicembre 2005

La storia è nota. “Il Turco in Italia” appartiene ad un trittico rossiniano di “turcherie”, assieme a “La pietra di paragone” (1812) e “L’Italiana in Algeri” (1813) e assai male accolta dai milanesi, città dove, il 14 agosto del 1814 venne eseguita in prima assoluta al Teatro alla Scala, con la Maffei-Festa (Fiorilla), David (Don Narciso), Filippo Galli (Selim). Fu accusata d’essere una “Italiana riscaldata”, né Rossini si fece scrupolo di riciclare la musica del “Turco” in altre opere, come il duetto Fiorilla/Geranio “Per piacere alla Signora” (atto I) e il quintetto del ballo (atto II) riapparsi ne “La Gazzetta” (Napoli, 1816), mentre certe altre pagine vennero reimpiegate ne “La Cenerentola” (1817), mentre la sinfonia, con varie modifiche, venne riutilizzata per “Signismondo”(1814) e per “Otello”(1817).

La musica del “Turco” è frizzante, intrisa d’una briosa leggerezza, senza alcuna volgarità. Il Teatro Regio di Torino ha ripreso un’edizione del 1994 del Teatro Comunale di Bologna, e vista anche la passata stagione al San Carlo di Napoli; è una edizione che non è invecchiata affatto, grazie ad una impostazione sobria ma piacevole, molto attenta alle esigenze del teatro, senza nessun eccesso di gags che, nel Rossini buffo, è pericolo sempre dietro l’angolo.  La sinfonia è eseguita a sipario aperto, con Prosdocimo di spalle intento ad osservare il boccasena di un teatrino con tre palchi vuoti per ciascuno dei tre lati; “teatro nel teatro”, ma niente di nuovo (negli anni Settanta vidi un progetto analogo al Politema Garibaldi di Palermo – il Poeta utilizzava lì una macchina da scrivere – e anche Luzzati, se non erro, utilizzò due quinte coi palchi; pare inevitabile, nel “Turco”…). In un’intervista a Calenda[1], il regista salernitano, classe 1939, dichiara, a proposito di Prosdocimi, dichiara: “E la funzione del poeta è compiere un distanziamento, una sorta di epicizzazione del racconto, ma sì, diciamolo, uno straniamento brechtiano che porta l’opera in una dimensione contemporanea. Una cornice, insomma, che ho voluto interpretare non come fine a se stessa ma attraverso l’amabilità del teatro napoletano ottocentesco. Per assurdo, qualcuno ci ha visto la tradizione di Di Giacomo, ma io penso anche all’avanspettacolo, al comico inetto di stampo partenopeo”. Calenda, come già altri prima di lui, ha delimitato uno spazio grigio, metateatrale, in cui Prosdocimo entra ed esce dallo spazio teatrale vero e proprio; peccato però che questo spazio, in verità, interagisca con altri protagonisti, perdendo la sua connotazione di luogo Altro.

Forse, con questi rimandi a Brecht e a Pirandello si finisce col nuocere allo stesso Rossini; non qui, non stavolta, almeno. E tuttavia, visto che la turquerie è solo un pretesto, è sottolineando il ruolo di Selim, lo Straniero, il Diverso, che si può evidenziare uno degli aspetti più interessanti della vicenda. Come un perturbante pasoliniano, Selim (e quale miglior Selim di Pertusi!) è forte, semplice e rude, galante, maschio; da tutto ciò è sedotta Fiorilla, da tutto giò è soggiogato Geronio. E’ bella, questa produzione. Perché Don Geronio è reso da Calenda e da Antoniozzi (che artista eccellente!) non “geron”, il vecchio, ma un uomo malinconico, come malinconio è Don Pasquale. Il ruolo di Fiorilla, per certi versi, è accomunabile a quello di Norina, ma la Mei è totalmente priva di quella “ironia meridionale” cui faceva riferimento, nei suoi Diarii, Gianandrea Gavazzeni; lontanissima (e citato ancore quel geniale scrittore che è Alberto Arbasino) da “quel witty alla Rosalind Russell o Myrna Loy”.

La Napoli del libretto (un puro pretesto, chè poteva essere Venezia o Bologna, e niente mutava) si ritrova appieno nella bella scena di fondo del primo atto; c’è solarità, c’è l’odore del mare (e com’è ben congegnato l’arrivo della nave, com’è risolto elegantemente, senza banalità e pure con efficace realismo). Del cast, in parte, si è detto. Meglio non si poteva, persino nell’infelice parte di Don Narciso, che Mark Milhofer restituisce con grande senso dello stile, precisione degli acuti, e quel gusto un po’ retrò nel timbro della voce che non dispiace affatto. Una sola perplessità persiste nella Fiorilla della Mei, più coquette che spiritata, a suo agio nel coté malinconico, larmoyant. Ma a Fiorilla occorre brio, ed Eva Mei ne ha poco. Troppo poco. Il pubblico la applaude forse più che agli altri interpreti, e se lei è contenta così, va bene pure per me. Molto spigliata la direzione di Rovaris negli ensembles, come il coro dei Turchi, il quartetto “Ma pria di lasciarvi” (atto I), il quintetto “Oh! Guardate che accidente” (atto II), con perfetto controllo degli equilibri sonori tra fossa e scena. Il coro è eccellente (e come non potrebbe con un maestro come Moretti), le luci troppo fisse (il che rende ancor più statici certi momenti). Un Turco di qualità. Un’altra bella tappa nella stagione del Regio di Torino.

Sergio Albertini © 2005

Manon Lescaut

Dramma lirico in quattro atti di Giacomo Puccini

Personaggi ed interpreti:
Manon Lescaut – Michele Capalbo

Lescaut, sergente delle guardie del re – Carmelo Corrado Caruso

il cavaliere Renato Des Grieux, studente – Marcello Giordani

Geronte di Ravoir, cassiere generale – Angelo Romero

Edmondo, studente – Luca Casalin

l’oste – Roberto Tagliavini

il maestro di ballo – Paolo Barbacini

un musico – Alessandra Canettieri

il sergente degli arcieri – Roberto Tagliavini

il lampionaio – Nicola Pascoli

il comandante di marina – Emiliano Esposito

Orchestra e Coro del Teatro Regio di Parma

Maestro concertatore e direttore d’orchestra Pier Giorgio Morandi

Maestro del Coro Martino Faggiani

Regia Stephen Medcalf

Scene e costumi Jaime Vartan

Coreografie Maxine Braham

Lighting designer Simon Corder

Nuovo allestimento del Teatro Regio di Parma

Parma, Teatro Regio, domenica 18 dicembre 2005, terza rappresentazione

Si apre nel ricordo di Renata Tebaldi, ad un anno dalla morte, la nuova stagione del Regio di Parma, con una bella mostra di ricordi, costumi, curiosità e che dopo Parma sarà proposta alla Scala, alla Staatsoper di Vienna, e poi ancora Mosca, Barcelona, Tokyo, New York. Anche la scelta della Manon Lescaut,  assente da un quarto di secolo dalle scene parmensi, era un omaggio: alla Tebaldi, e alla Dessì, che in coppia con Armiliato (contestato da una parte del pubblico), erano gli interpreti della prima. Ma miglior sorpresa è giunta da un secondo cast,  accolto trionfalmente dal pubblico; una giovane Michele Capalbo, bruna nei capelli e nel canto, che possiede una vocalità drammatica, scura, ben lontano dalla equivoca e smaliziata giovinetta messa in musica da Puccini, e che costruisce, con ancora qualche immaturità attoriale, una protagonista dall’indole nostalgica (“ma di gaiezza il bel tempo fuggì”). Magnifico Des Grieux Marcello Giordani, forse troppo  calato nella “parte” del Tenore (acuti spinti, qualche singhiozzo di troppo, scamiciato nell’abito e nello stile); ma Giordani, quando vuole, conosce anche l’arte sottile e raffinata di un canto sfumato e variegato. Meno bene le altre parti, con un Geronte sfilacciato e sfibrato (Angelo Romero) e un Edmondo, studente sì, ma di molti anni fuori corso (Luca Casalini)! Pier Giorgio Morandi cerca il pedale della tragedia della separazione, ma l’orchestra (peraltro ottima) è condotta con una tensione centripeta che lancia via erotismo e disperazione, fermandosi ad un modesto realismo borghese.

Accolto da dissensi lo spettacolo di Stephen Medcalf (con il valido contributo delle scene di Jaime Vartan e delle luci dal forte taglio drammatico di Simon Corder), è invece prodotto di eccellente intelligenza, spoliato da ogni ingombro, che pone al centro i personaggi e le loro relazioni. Su una piattaforma in legno, il primo atto viene reso da una serie di insegne appese da montanti che, nel secondo atto, sostengono cieche specchiere ovali; nel terzo atto queste stesse specchiere racchiudono le sbarre delle celle da cui si affacciano le infelici prigioniere. Una piccola duna, dentro cui sprofonda lentamente Manon, è il fulcro di un nudo e crudele quarto atto. Il fondo grigio della scena si trasforma ora in una carrozza, con la semplice disposizione di alcune aperture, poi in nave; segni forti, e visivamente di grande suggestione. Medcalf fa muovere le masse in maniera cinematografica, con alcuni “fermo immagine” quando cantano Manon e Des Grieux. I palchi di proscenio si affollano di cicisbei che, con indubbia commozione, si affacciano al ralenti nella scena finale, inviando baci che mai giungeranno a destinazione...

Sergio Albertini © 2006

Fidelio di Ludwig van Beethoven
libretto di Joseph Sonnleithner e Georg Friedrich Treitschke, da Léonore di Jean-Nicolas Bouilly

Personaggi ed interpreti:
Don Fernando, ministro (Andreas Macco)

Don Pizarro, governatore di una prigione di stato (Eikie Wilm Schulte)

Florestan, un prigioniero (Jon Villars)

Leonore, sua moglie, sotto il nome di Fidelio (Jeanne-Michèle Charbonnet)

Rocco, carceriere (Stephen Milling)

Marzelline, sua figlia (Anna Skibinsky)

Jaquino, portiere (Michael Spyres)

Orchestra e Coro del Teatro San Carlo di Napoli

Direttore Tomas Netopil

Maestro del coro Marco Ozbic

Regia di Toni Servillo

Scene di Mimmo Paladino

Impianto scenico di Daniele Spisa

Costumi di Ortensia De Francesco

Disegno luci di Cesare Accetta

Nuovo allestimento del Teatro San Carlo di Napoli

Napoli, Teatro San Carlo, venerdì 9 dicembre 2005, terza rappresentazione

Quel che rende un unicum il San Carlo di Napoli è il progetto, coerente e vincente, del Sovrintendente Gioacchino Lanza Tomasi, la cui strategia è quella di far interagire l’arte contemporanea con l’opera e il balletto. Dopo Arnaldo Pomodoro e Capriccio di Strauss, Bruce Marden e Orfeo ed Euridice, Valerio Adami e Olandese volante, Anselm Kiefer e Elektra, Giulio Paolini e Walkure, per l’apertura di una stagione che si preannuncia difficile per via deitagli alla cultura voluti dal governo Berlusconi si è prodotto uno degli spettacoli forse più belli apparsi sulle scene italiane negli ultimi anni. Un Fidelio (assente da Napoli da oltre trent’anni) che portava la doppia firma “napoletana” di Toni Servillo (regia) e Mimmo Paladino (scene) e che proprio nella parte visiva aveva la componente più memorabile; le sculture di Paladino erano parte integrante dell’opera: una grande testa sagomata, ferrigna e ruginnosa e con lo sguardo rivolto verso il basso, luogo di prigione e negazione del cielo, era segno forte dell’attesa di liberazione; una citazione dell’Andrej Rublev era la terza scena,

in cui Florestan è legato ad una enorme campana bronzea sospesa nel suo movimento, il cui batacchio è anch’esso congelato nell’attesa di ritrovare un suono festoso; la prigione è un pozzo oscuro su cui si staglia, sul fondo, una vertiginosa scala verticale da cui discendono i protagonisti; nell’ultima scena un poliedro luminoso stellare, simbolo della ragione che prevale sui drammi umani, risplende in un bagliore accecante (grande merito le luci di Cesare Accetta). Servillo, per suo conto, tra questi segni monumentali, ha scelto una regia atemporale, fatta di gestualità naturale ma abitata da grande inquietudine e drammaticità (come per i carcerati, che rimangono rintanati in un angolo anche nell’ora d’aria, o come nel finale, in cui il popolo avanza verso la fossa come nel celbre quadro “Il quarto stato” di Pelizza da Volpedo, o per i costumi, disegnati da Ortensia De Francesco, che rievocano le tute di lavoro dei lager di ogni tempo e latitudine.

Meno entusiasmante il debutto napoletano del giovanissimo direttore Tomas Netopil, chiamato a sostituire il compianto Gary Bertini; una direzione scolastica e modesta (nonostante gli applausi alla ouverture “Leonore”, inserita fuori luogo a spezzare l’andamento drammaturgico dell’opera).

La Charbonnet è una Leonore troppo wagneriana (fu Isotta la passata stagione), Jon Villars canta come se in carcere, anzichè il digiuno, gli avessero offerto anabolizzanti; efficaci il Rocco di Stephen Milling, il Pizzarro di EIke Wilm Schulte e lo Jazuino di Michael Spyres; Anna Skibinsky, deliziosa scenicamente, a causa di una indisposizione annunciata solo al secondo atto, siamo riusciti ad ascoltarla poco.

Sergio Albertini © 2006